Na história da teledramaturgia brasileira, não se pode esquecer de Cassiano Gabus Mendes, cuja trajetória confunde-se com a da própria televisão no Brasil. Em 1950 a criação da TV Tupi inaugurava a televisão no país, Cassiano Gabus Mendes já lá estava, tornando-se o primeiro diretor artístico da emissora, onde permaneceria por vários anos consecutivos.
Homem de televisão, tornou-se essencial na consolidação da teledramaturgia. Escreveu o seriado “Alô, Doçura!”, que esteve no ar por mais de dez anos, sendo um marco da época. Em 1966 escreveu a sua primeira telenovela, “O Amor Tem Cara de Mulher”. Em 1968 idealizou o roteiro de “Beto Rockfeller” , escrita por Bráulio Pedroso, que revolucionaria para sempre o gênero novelesco no país. Mas foi em 1976 que ele chegou à TV Globo como autor da telenovela “Anjo Mau”, mudando a concepção do gênero da comédia, criando um estilo que se iria tornar padrão às novelas globais do horário das 19 horas, sendo desde então, exaustivamente copiado por outros autores até os dias atuais.
O universo de Cassiano Gabus Mendes é suave, elegante, irônico e aveludado por uma fina camada cômica. Suas personagens não vão além do folhetinesco, mas trazem uma empatia que seduz o mais exigente dos públicos. Memoráveis criações como “Anjo Mau” (1976), “Locomotivas” (1977), “Ti Ti Ti” (1985), “Brega & Chique” (1987) e “Que Rei Sou Eu?” (1989), trouxeram um brilho único às telenovelas, sem em momento algum, criar uma expectativa pretensiosa de uma veia dramática profunda ou complexa, pelo contrário, suas tramas são ágeis e leves, preocupando-se com o entretenimento do público, sem que com isto, perca a qualidade do texto. Responsável por momentos hilariantes e antológicos na história da telenovela, Cassiano Gabus Mendes deixou para sempre o seu nome gravado no gênero, fazendo dos seus textos algo perene, mostrando que se pode ser suave e elegante trazendo a qualidade sincera de um bom texto.

Os Primeiros Trabalhos na TV Tupi

O paulistano Cassiano Gabus Mendes nasceu em 29 de julho de 1929. Filho do famoso radialista Otávio Gabus Mendes, herdou do pai a sensibilidade criativa e o domínio da dramaturgia da rádio transportada para a pequena tela. Foi um dos pioneiros da televisão no Brasil, estando lá desde a sua inauguração, em 1950. Substituindo Lima Duarte, que se recusou a ser o diretor artístico da TV Tupi, assumiu o cargo por mais de uma década. Nos primórdios da televisão, adaptou filmes para “A Vida Por Um Fio”, participou da idealização da “TV de Vanguarda”, um dos maiores marcos da incipiente televisão dos anos cinqüenta.
Em 1953 Cassiano Gabus Mendes criou o seriado “Alô, Doçura!”, uma comédia romântica inspirada em “I Love Lucy”, grande sucesso da televisão norte-americana. No início era exibido apenas um episódio por semana, passando mais tarde a dois. O seriado tinha sido criado para a rádio pelo pai, Otávio Gabus Mendes, com o título de “O Encontro das Cinco e Meia”, sendo protagonizado pelos atores Haydée Miranda e Paulo Maurício. Na televisão, já com o nome “Alô, Doçura!”, Eva Wilma e Mário Sérgio foram os escolhidos para viver as aventuras de diferentes personagens a cada episódio. No ano de 1954 Mário Sérgio foi substituído por John Herbert. O sucesso da nova dupla foi imediato, com grande aceitação do público. A química entre os dois protagonistas foi além da ficção, em 1955 Eva Wilma e John Herbert casaram-se, passando a ser conhecidos como o “Casal Doçura”. Os textos inteligentes e divertidos de Cassiano Gabus Mendes e o carisma do casal protagonista foram responsáveis pela longevidade do seriado, que só chegaria ao fim em 1964. Durante o período, Eva Wilma engravidou duas vezes, aparecendo assim em vários episódios, quando sua gravidez atingia o estado mais avançado, era substituída pela atriz Marly Bueno. “Alô, Doçura!” foi um dos primeiros grandes sucessos da teledramaturgia nacional, ficando para sempre no imaginário e na lembrança do público brasileiro, preparando Cassiano Gabus Mendes para uma carreira futura de novelista de sucesso.
Em 1966 Cassiano Gabus Mendes escreveria a novela “O Amor Tem Cara de Mulher”, baseada no original do argentino Nené Cascallar, que se tornara um grande sucesso na Argentina, Chile e Uruguai. A trama mostrava conflitos entre casais, que se iniciavam a partir de um instituto de beleza. Trazia histórias completas a cada semana. No elenco Eva Wilma, Vida Alves, Cleyde Yáconis, Aracy Balabanian, Luís Gustavo, Walmor Chagas, Dina Sfat e Tony Ramos, entre outros. “O Amor Tem Cara de Mulher” ficou nove meses no ar, mas não alcançou o mesmo sucesso que obtivera no restante da América do Sul, tendo o horário de exibição sido mudado duas vezes.
Em 1968 Cassiano Gabus Mendes idealizou o roteiro daquela que se tornaria a novela que mudaria para sempre o estilo do gênero no Brasil, “Beto Rockfeller”, chamando Bráulio Pedroso para escrevê-la. Lima Duarte, diretor da novela, transpunha para a televisão o texto teatral de Bráulio Pedroso. Assim o trio histórico Cassiano Gabus Mendes, Lima Duarte e Bráulio Pedroso, através de uma história simples, condenavam para sempre os dramalhões mexicanos como linguagem das telenovelas, introduzindo os diálogos coloquiais e o dia a dia do brasileiro em sua teledramaturgia. Luís Gustavo, irmão da esposa de Cassiano Gabus Mendes, foi o ator escolhido para protagonizar a novela. Futuramente, tornar-se-ia o maior intérprete dos textos do cunhado. Bete Mendes, Débora Duarte, Walter Forster, Plínio Marcos, Maria Della Costa, Ana Rosa, Irene Ravache, Marília Pêra, Rodrigo Santiago, Pepita Rodrigues, faziam, entre outros, parte do elenco. Muitos desses atores estavam em início de carreira, tornando-se algum tempo depois, grandes estrelas do cenário artístico brasileiro.

“Anjo Mau” Cria o Estilo de Escrever Comédia na Televisão

Em 1976 Cassiano Gabus Mendes chegou a TV Globo, onde permaneceria até a sua morte. Estreou-se no horário das 19 horas, dirigido às comédias, com a novela “Anjo Mau”. A novela trazia uma forte vertente cômica, inaugurando uma nova fase de comédia no horário, que se iria perpetuar como estilo. O gênero comédia às 19 horas na TV Globo havia sido iniciado com Vicente Sesso na novela “Pigmalião 70” (1970), tornando-se característica do horário. “Anjo Mau” confirma o gênero comédia e dá às bases obrigatórias para os demais autores que viriam.
Até então, as protagonistas das telenovelas traziam um caráter integro, que se deparava com as vilanias das suas antagonistas. A novela muda, pela primeira vez, este caráter. Nice, interpretada magistralmente por Suzana Vieira, elevada pela primeira vez à protagonista global, é a anti-heroína, a babá malvada e ambiciosa, que por amor ao patrão Rodrigo (José Wilker), destrói o seu noivado com Paula (Vera Gimenez) e, conseqüentemente, com a doce Léa (Renée de Vielmond). Pela primeira vez na história da televisão a protagonista era má. Mas as características românticas de Nice superaram a sua vilania, e o Brasil apaixonou-se por ela. Rodrigo casa-se com Nice, mas faz com que ela sofra e pague por todas as maldades. Redimida e finalmente amada por Rodrigo, Nice morre ao dar à luz ao filho do seu amor. A sua morte, embora negada por Cassiano Gabus Mendes, teria sido uma imposição da censura da época, servindo de alerta moralista às tantas babás que sonhavam com o patrão. A cena da morte de Nice emocionou o Brasil, gerando a polêmica entre o público de que mais uma vez Suzana Vieira tinha perdido para Renée de Vielmond. Esta polêmica vinha desde a novela “Escalada” (1975), de Lauro César Muniz, em que a doce Cândida (Suzana Vieira) perdia o amor do marido Antonio Dias (Tarcísio Meira) para a bela Marina (Renée de Vielmond).
Durante a novela, a atriz Vera Gimenez sofreu um acidente automobilístico que lhe deixou graves seqüelas no rosto, obrigando-a a um afastamento da novela para uma intervenção plástica. José Wilker e Renée de Vielmond, que iniciaram um romance durante a novela, casando-se por alguns anos, descontentes com as suas personagens, criaram alguns atritos com a direção; em conseqüência ficariam longe das novelas globais por alguns anos. Hortência Tayer, uma linda atriz em início de carreira, teve uma grande ascensão na novela, mas foi interrompida quando exigiu que lhe aumentassem o salário, um dos mais baixos do elenco, ela que viva Ligia, a mulher que conquistara o coração do mulherengo Ricardo (Luís Gustavo), foi excluída da novela, tendo apenas o seu nome mencionado pelas outras personagens. O grande destaque da novela foi para Stela, a ciumenta mulher de Getúlio (Osmar Prado), vivida com maestria por Pepita Rodrigues, em sua estréia na Globo. Outro que vinha da antiga TV Tupi para a emissora carioca era Luís Gustavo.
“Anjo Mau” foi ao ar ainda em preto e branco, já nesta época os demais horários das novelas da TV Globo traziam produções coloridas. A novela teria uma nova versão em 1997, feita por Maria Adelaide Amaral. Nos primeiros capítulos o universo de Cassiano Gabus Mendes foi fielmente recriado, inclusive a elegância do seu texto e ironia da sua comédia. A partir de determinando momento, a história assumiu um aspecto de dramalhão, perdendo-se do original, e a Nice de Glória Pires tornou-se uma sofredora heroína mexicana; não havendo motivos para um castigo no final, a nova Nice não morre. Suzana Vieira é homenageada no último capítulo, aparecendo como a babá do filho de Nice e Rodrigo (Kadu Moliterno). Na primeira versão, a mesma cena era vivida por Débora Duarte, que fechava a trama com a criança no colo, a sorrir para Rodrigo, insinuando um futuro e conturbado romance, já que Nice estava morta.

Locomotivas, Definição do Estilo

A segunda novela de Cassiano Gabus Mendes na TV Globo foi “Locomotivas”, em 1977. Foi a primeira novela totalmente a cores no horário das 19 horas. Em “Locomotivas” o autor elimina os excessos dramáticos de “Anjo Mau”, consolidando de vez o seu estilo elegante, tecendo um folhetim de luxo, com personagens irônicas e cômicas, de um carisma irrepreensível. Conta a história de Kiki Blanche (Eva Todor), uma ex-atriz do teatro de vedete, dona de um luxuoso instituto de beleza, e da sua filha Milena (Aracy Balabanian), que traz um grande segredo, é a verdadeira mãe de Fernanda (Lucélia Santos), criada como sua irmã. Para proteger a filha do preconceito de ser mãe solteira, Kiki cria outros filhos adotivos, Paulo (João Carlos Barroso), Renata (Thaís de Andrade) e Regininha (Gisele Rocha). A partir do instituto de beleza de Kiki partem as tramas principais A idéia foi recuperada de “O Amor Tem Cara de Mulher”, sendo aqui desenvolvida com uma eficácia técnica perfeita. A história toma a sua veia dramática quando Fernanda apaixona-se por Fábio (Walmor Chagas), grande amor de Milena, o impasse só termina com a revelação final de que as duas são mãe e filha.
Um dos grandes destaques da trama foi Netinho (Denis Carvalho) e a sua mãe possessiva Margarida (Miriam Pires), que faz tudo para separar o filho das namoradas, mantendo-o só para ela. Ao som de “Filho Único”, tema cantado por Erasmo Carlos, Netinho e a sua mãe promoveram cenas hilariantes. Outro destaque foi Machadinho, vivido pelo ator português Tony Correia, revelação da novela “O Casarão” (1976), que conquistaria o coração de Fernanda.
Mas o grande destaque da novela foram as atrizes Eva Todor e Lucélia Santos. Kiki Blanche rendeu à primeira o seu melhor papel na televisão, a aceitação do público foi tão grande, que se cogitou criar um seriado com Kiki Blanche e a sua família, mas os planos não vingaram. Lucélia Santos fazia a sua segunda telenovela, vinda do grande sucesso que fora a sua estréia em “Escrava Isaura” (1976), e que vinculara de forma indelével a sua imagem. A atriz fez uma metamorfose, apagando a sofrida escrava, transformando-se em uma Fernanda rebelde, caprichosa e mimada. O público amou Fernanda, Lucélia Santos foi transformada na “Nova Namoradinha do Brasil”, título pertencente à Regina Duarte. Diante do sucesso, a TV Globo incluiu Lucélia Santos no quadro de contratada exclusiva da emissora, transformando-a em uma das suas estrelas por vários anos. “Locomotivas” foi um grande sucesso de Cassiano Gabus Mendes, fazendo-o rei absoluto do horário das 19 horas.

Encerrando a Primeira Fase na TV Globo

Em 1978 foi lançada “Te Contei?”, novela que obedecia a todos os itens do estilo de Cassiano Gabus Mendes, comédia leve, texto elegante, um número que não ultrapassava 30 atores, com tramas que dava igual importância a todos eles em determinados momentos da história, sem concentrar o crescimento das personagens apenas nas protagonistas. Outra característica das tramas de Cassiano Gabus Mendes era o tempo cronológico, um dia durava vários capítulos. As histórias desenvolviam-se à beira da piscina ou na praia. “Te Contei?” teve a sua abertura mudada, já que a primeira não agradara à direção da novela. Era centrada nos amores de Leo (Luís Gustavo), que ficara cego aos 14 anos, divido entre a misteriosa Sabrina (Wanda Stefânia) e a temperamental e bela Shana (Maria Cláudia). Sabrina era uma mulher rica que tinha um terrível segredo, é cleptomaníaca, refugia-se na pensão de Lola (Eva Todor), fazendo-se passar por uma pobre vendedora de cosméticos. Envolve-se com Leo, um homem divertido e alegre, que vive a sua cegueira sem traumas. Shana, a bela filha de Lola, nutre um amor intenso por Leo, mas o reprime diante do envolvimento do rapaz com Sabrina. No meio de todas as tramas, surgem misteriosas cartas de amor dirigidas a todas as mulheres. Só no último capítulo é revelada a autora das cartas, é Mônica (Heloísa Millet). Maria Cláudia vivia a sua primeira protagonista. Wanda Stefânia, uma atriz do elenco fixo da TV Tupi, apesar do grande sucesso da sua personagem (prejudicada pela censura, que limitou as cenas de cleptomania de Sabrina), não renovou contrato com a Globo, voltando para a emissora paulista. A novela trazia um elenco luxuoso, Suzana Vieira, Denis Carvalho, Maria Della Costa (que não apareceu mais em novelas), Esther Góes, Brandão Filho, Mauro Mendonça, Hélio Souto, Ilka Soares (atriz de presença constante nas tramas do autor), Kito Junqueira, Elizangela, Osmar Prado e muitos outros.
“Marron Glacé”, de 1979, foi outro grande sucesso de Cassiano Gabus Mendes. Contava a história de Madame Clô (Yara Cortes), dona do bufê Marron Glacé, e das suas filhas Vanessa (Sura Berditchewsky) e Vânia (Louise Cardoso), e dos garçons do bufê, o solitário Oscar (Lima Duarte), o misterioso Otávio (Paulo Figueiredo), o alegre Nestor (Armando Bógus), o ciumento Juliano (Ricardo Blat), o revoltado Luís César (João Carlos Barroso) e o afetado Waldomiro (Laerte Morrone). Após a morte da mãe, Otávio deixa a sua cidade rumo ao Rio de Janeiro, disposto a vingar de Clô e das suas filhas, por achar que no passado, foram os responsáveis pela miséria da família e morte do pai. Mas Otávio envolve-se com as duas filhas de Clô, apaixonando-se por Vanessa, por quem decide esquecer a sua vingança. O grande sucesso da personagem Miguel de “A Sucessora” (1978), elevara Paulo Figueiredo à protagonista de “Marron Glacé”, o mesmo sucedendo a Sura Berditchewsky, que vinha de um bom momento na novela “Dancin’ Days” (1978), os dois atores não voltaram a protagonizar outras novelas na emissora carioca. Yara Cortes, a eterna Dona Xepa, vivia a protagonista que se envolveria com a personagem Oscar, mas, não se sabe se por imposição do ator, da direção, do autor, ou de ambos, decidiu-se que a atriz estava muita envelhecida para par romântico com Lima Duarte, o que levou, já no meio da trama, a aparecer Lola, interpretada pela atriz Tereza Rachel, que se tornaria o amor de Oscar. Primeira novela da atriz Mila Moreira, na época modelo famosa, que usava apenas Mila como nome artístico (na abertura da novela não vinha o Moreira, acrescentado a partir de “Plumas & Paetês”). Mila Moreira passaria a ser uma presença constante nas novelas de Cassiano Gabus Mendes. Outro destaque foi a relação de Oscar com as velhinhas Beá (Ema D´Ávila) e Angelina (Dirce Migliaccio), para quem roubava comida no bufê. Lima Duarte fez cenas hilariantes com as atrizes. Uma cena antológica da novela foi quando Oscar trazia no guarda-chuva, comida da cozinha do bufê, ao encontrar com a patroa, Clô, cai uma grande chuva, ela pede o guarda-chuva emprestado, bolos e comidas caem-lhe sobre a cabeça, sujando-lhe todo o cabelo, recém penteados em um salão de beleza.
Em 1980 Cassiano Gabus Mendes visitou o mundo da moda e das modelos na novela “Plumas & Paetês”. Contava a história de Marcela (Elizabeth Savalla), que viajava com um casal quando o carro sofreu um acidente, sendo ela a única sobrevivente. Marcela é confundida pela família do morto, como a sua noiva, também ela morta no acidente. Grávida e desamparada, ela assume a falsa identidade, sendo acolhida pela família, que pensa que ela traz o herdeiro do morto. Edgar (Cláudio Marzo), o mais velho da família, apaixona-se por Marcela, vivendo com ela um romance. Para complicar a situação da intrusa, aparece Paulo (José Wilker), o verdadeiro pai do seu filho, noivo de Amanda (Maria Cláudia), que se tornara sua grande amiga. No outro núcleo aparecia Rebeca (Eva Wilma), uma viúva milionária, assediada por Márcio (John Herbert), mas que descobriria o amor nos braços de Gino (Paulo Goulart). Após tantos sucessos consecutivos, a fórmula de Cassiano Gabus Mendes sofria uma certa saturação. Para complicar, o autor sofreu um enfarte, sendo obrigado a deixar a novela com pouco mais de cem capítulos escritos. Silvio de Abreu, indicado pelo próprio Cassiano Gabus Mendes, assumiu a história até o fim, elevando o seu índice de audiência. “Plumas & Paetês” marcou a estréia de Eva Wilma na Globo; a atriz era a grande estrela da TV Tupi, que falira naquele ano, fechando as suas portas para sempre. José Wilker, que se afastara das novelas desde “Anjo Mau” (1976), a odiar a sua personagem, ironicamente voltava em uma trama de Cassiano Gabus Mendes. Grandes momentos da novela foram conseguidos através de Veroca, personagem vivida magistralmente por Lúcia Alves. A química entre Cláudio Marzo e Elizabeth Savalla seria repetida em outras novelas que eles protagonizariam, “Pão Pão, Beijo Beijo” (1983) e “Partido Alto” (1984). Com esta novela, Cassiano Gabus Mendes encerrava uma fase de sua carreira de novelista. Ficaria algum tempo longe das laudas criativas, só retornando em 1982. Foi a partir desta novela que as tramas do autor deixaram as praias do Rio de Janeiro e trouxeram os arranha-céus de São Paulo como cenário.

A Estréia no Horário Nobre

Após um descanso forçado, para a recuperação de um enfarte, Cassiano Gabus Mendes voltaria com um grande sucesso, “Elas Por Elas”, em 1982. A história girava em torno de Márcia (Eva Wilma), que após vinte anos, promove um encontro com as suas amigas do colegial Helena (Aracy Balabanian), Wanda (Sandra Bréa), Natália (Joana Fomm), Adriana (Esther Góes), Marlene (Mila Moreira) e Carmem (Maria Helena Dias). Todos comparecem ao encontro, menos Natália, que no passado perdeu o irmão Zé Roberto, caído do alto de uma pedra. Natália suspeita que uma das amigas o atirou do alto, por isto manda, no dia do encontro, um pássaro morto para as amigas. No reencontro, Wanda descobre que o seu amante Átila (Mauro Mendonça) é marido de Márcia. Para complicar a situação, Átila morre em um motel, ao lado de Wanda. Sem desconfiar da amiga, Márcia quer saber quem era a amante do marido, para isto contrata Mário Fofoca (Luís Gustavo), um desastrado e divertido detetive, por quem ela se irá apaixonar. Apesar de tantos mistérios para desvendar-se ao longo da trama, “Elas Por Elas” era uma grande e divertida comédia. Mário Fofoca repetia mais uma vez a bem sucedida dupla Cassiano Gabus Mendes e Luís Gustavo. O sucesso da personagem gerou um longa-metragem para o cinema e um seriado de televisão, que não alcançaram o sucesso da telenovela. O amor do patinho feio, Ieda (Cristina Pereira), pelo galã René (Reginaldo Faria), foi outro grande momento da novela. Tássia Camargo e Cássio Gabus Mendes, filho do autor, marcaram as suas estréias na televisão. O elenco luxuoso garantiu à novela um grande sucesso, além dos atores citados, contava com Carlos Zara, Christiane Torloni, Herson Capri, Nathália Timberg, Mário Lago, Marco Nanini, Suzana Vieira, Norma Blum, Lauro Corona e outros.
Em 1983 a Globo encomendou uma novela para o horário nobre a Cassiano Gabus Mendes. A doença de Janete Clair obrigara a emissora a ressuscitar o horário das 22 horas, uma vez que seria menos complicado, em caso da autora vir a falecer, a substituí-la fora do horário nobre. Cassiano Gabus Mendes aceita o convite, sem prometer criar algo diferente do seu estilo. Pela primeira vez, longe do horário das 19 horas, ele escreve “Champagne”, que estrearia no segundo semestre de 1983. A história girava em torno de um crime que acontecera em 1970, quando a jovem copeira Zaíra (Suzane Carvalho) foi assassinada, tendo como principal suspeito Gastão (Sebastião Vasconcelos), que treze anos depois, ao tentar provar a sua inocência, envolve vários suspeitos. A trama, por ser exibida em horário nobre, perdeu um pouco da leveza característica de Cassiano Gabus Mendes, não acrescentando nada ao autor, muito menos à história da teledramaturgia. Tony Ramos vivia Nil, uma personagem linear e sem grandes atrativos. O melhor da novela ficou por conta de Antônia Regina (Irene Ravache) e João Maria (Antonio Fagundes), uma dupla de ladrões de jóias que se envolviam em grandes e hilariantes confusões. A novela marcou a volta de Marieta Severo às novelas, que devido à censura contra o seu então marido, Chico Buarque, ficara mais de uma década afastada da emissora global. “Champagne” cumpriu apenas a missão de preencher o horário nobre, sem grandes atrativos ou pretensões. O elenco era uma verdadeira constelação, trazendo ainda, Lúcia Veríssimo, Jorge Dória, Mauro Mendonça, Nuno Leal Maia, Carla Camuratti, Louise Cardoso, Isabel Ribeiro, Beatriz Segall, Cláudio Corrêa e Castro, Carlos Augusto Strazzer, Maria Izabel de Lizandra, Cássio Gabus Mendes, Armando Bógus, Ilka Soares, Mila Moreira e outros.

Grandes Obras nos Anos Oitenta

Em 1985 Cassiano Gabus Mendes voltou ao horário das 19 horas, com mais uma obra-prima, “Ti Ti Ti”. A história de Ariclenes (Luís Gustavo) e André (Reginaldo Faria), dois amigos de infância que passaram a vida toda brigando. Adultos, eles virariam Victor Valentin e Jacques L’Eclair, respectivamente, dois costureiros da alta costura, que rivalizavam entre si. A inspiração teria vindo na famosa rivalidade entre Clodovil e Denner, nos anos setenta. Victor Valentin, um malandro que copiava os modelos de vestidos das bonecas de Cecília (Nathália Timberg), conquistava as mulheres com o seu beijo e batom “Boca Loca”. Mais um grande momento de Luís Gustavo, que se tornou imprescindível na obra do autor. Sandra Bréa vivia Jacqueline, uma mulher apaixonada por L’Eclair, papel que herdara de Renée de Vielmond, que não chegara a um acordo com a emissora quanto ao salário, recusando-o. Destaque para Marieta Severo, que vivia Suzana, ex-mulher de Ariclenes. Aracy Balabanian, Myriam Rios, Tânia Alves, Malu Mader, Cássio Gabus Mendes, Lúcia Alves, José de Abreu, Yara Cortes, Paulo Castelli, Adriano Reys e muitos outros, faziam parte do elenco. A novela marcou ainda, a estréia de Tato Gabus, outro filho de Cassiano Gabus Mendes.
“Brega & Chique”, de 1987, traz um novo fôlego à obra de Cassiano Gabus Mendes. O autor parece renovado, apesar de utilizar os mesmos truques e a mesma fórmula de contar o seu folhetim, consegue ser original em cenas antológicas da televisão brasileira. “Brega & Chique” é o inverso da lógica, o que deveria ser brega é chique, mostrando o avesso dos costumes. Herbert Alvaray (Jorge Dória), um milionário falido, simula a própria morte para fugir às dividas. Ele tem duas famílias, chamando à mulher oficial Rafaela (Marília Pêra), de Alfa I e à amante Rosemere (Glória Menezes), de Alfa II. Com as duas ele tem filhos. No meio da história aparece Zilda (Nívea Maria), a Alfa III, uma amante menor. Supostamente morto, o malandro deixa a família de Rafaela na miséria, e a sua caixa dois permite presentear Rosemere com alguns milhões de dólares. Rafaela, a chique, entra em decadência, muda de posição, deixando a mansão para viver uma vida modesta em uma casa de vila. Para sobreviver, torna-se cozinheira, fazendo marmitas para as pessoas da vila. Rosemere, a brega, ascende socialmente, mudando-se para uma mansão, tornando-se uma mulher rica. A situação atinge o ápice quando Herbert volta após ter feito várias cirurgias e ter mudado definitivamente a sua aparência física, apresentando-se como Cláudio Serra (Raul Cortez). Na sua nova vida modesta, Rafaela tem o apoio de Montenegro (Marco Nanini), fiel empregado de Herbert. Montenegro nutre uma paixão platônica por Rafaela, ajudando-a em todos os momentos difíceis, ao mesmo tempo sabe de toda a verdade sobre a falsa morte de Herbert e a sua nova identidade.
“Brega & Chique” trazia Marília Pêra de volta às novelas, afastada desde “Supermanoela” (1974), interpretando aquele que seria o seu melhor papel na televisão. Momentos inesquecíveis e antológicos foram criados pela dupla Marco Nanini e Marília Pêra, uma parceria que não se repetiria, visto que os atores, por desentendimentos pessoais, afastaram-se um do outro. A cena que Rafaela vai à feira fazer compras, vestida com um casaco de peles, é antológica, um bom momento de criatividade na televisão brasileira. A provocação da abertura da novela, que trazia no final o modelo Vinicius Manne totalmente nu, caminhando com as nádegas descobertas, fez com que a censura obrigasse a direção da Globo a pôr uma folha de parreira sobre a região glútea do modelo, folha que, devido à pressão popular, caiu definitivamente dois dias após ser inserida. “Brega & Chique” tornou-se um dos maiores sucessos de Cassiano Gabus Mendes, trazia ainda no elenco Denis Carvalho, Marcos Paulo, Patrícia Pillar, Cássia Kiss, Cássio Gabus Mendes, Patrícia Travassos, Neuza Amaral, Célia Biar, Cristina Müllins, Fábio Sabag, Hélio Souto, Bárbara Fázio, Percy Aires, Jayme Periard, Tarcísio Filho e outros.
E para quem acreditava que a criatividade de Cassiano Gabus Mendes estava esgotada, ele conseguiu surpreender em 1989, escrevendo aquela que é considerada a sua maior novela, “Que Rei Sou Eu?”. Uma aventura de capa e espada medieval, que refletia o Brasil da época do governo de José Sarney, com todos os erros econômicos, planos falhados e inflação galopante. O reino de Avilan era uma sátira inteligente ao momento político que o país vivia. Uma paródia perfeita de um Brasil que tentava sobreviver após vários anos de ditadura. Tereza Rachel brilhou absoluta no papel da rainha Valentine, fazendo da sua voz aguda uma técnica perfeita para o riso inteligente, deixando as suas risadas como marca inesquecível. Antonio Abujamra criou um insuperável bruxo Ravengar. Edson Celulari e Giulia Gam, Jean Pierre e Aline respectivamente, promoviam excelentes cenas românticas e de esgrima. Com um elenco luxuoso, Marieta Severo, Aracy Balabanian, Natália do Valle, Daniel Filho, Stênio Garcia, Carlos Augusto Strazzer (na sua última novela, o ator já se encontrava doente, vitimado pelo vírus da Aids), Jorge Dória, Ítala Nandi, Cláudia Abreu, Tato Gabus, John Herbert, Mila Moreira, Oswaldo Loureiro, Fábio Sabag, Laerte Morrone, Zilka Salaberry e Dercy Gonçalves entre outros; Cassiano Gabus Mendes encerrava a década de oitenta, senhor absoluto de sua obra.

Últimos Trabalhos

Em 1990 o autor voltava a escrever uma novela para o horário nobre, “Meu Bem, Meu Mal”, um horário que devido ao estilo mais austero, nunca favoreceu ao universo de Cassiano Gabus Mendes, tornando-se uma obra menor. Lázaro Venturini (Lima Duarte), um rico empresário, é obrigado a conviver com a presença incômoda de Ricardo (José Mayer), detentor de uma porcentagem dos seus negócios, e que mantém uma relação de amor e ódio com Isadora (Silvia Pfeifer), casada com o filho de Lázaro, que enviúva nos primeiros capítulos da novela. Responsável pela ruína de Felipe (Armando Bógus), Ricardo é alvo da vingança de sua filha, Patrícia (Adriana Esteves), uma adolescente que se irá apaixonar por ele, apesar da diferença de idade. Silvia Pfeifer estreava em novelas como protagonista do horário nobre, o que lhe rendeu várias críticas negativas sobre a interpretação de Isadora. Adriana Esteves ascenderia com esta novela à protagonista da TV Globo. Lídia Brondi e Cássio Gabus Mendes viviam um romance na trama, estenderam a relação para a vida pessoal, casando-se, a atriz encerrou com esta novela a sua carreira, não voltando mais a interpretar, quer no cinema, teatro e televisão. O grande destaque foi para o mordomo Porfírio (Guilherme Karan) e a sua obsessão pela “Divina” Magda (Vera Zimermann). Entre as estréias promissoras, estava a do ator Fábio Assunção. “Meu Bem, Meu Mal” não representou um grande marco na teledramaturgia da televisão e do seu autor, mas cumpriu a sua função de entretenimento inteligente. O elenco contava ainda com Yoná Magalhães, Thales Pan Chacon, Jorge Dória, Nívea Maria, Marcos Paulo, Luciana Braga, Zilda Cardoso, Mila Moreira, Sérgio Viotti, Isis de Oliveira, Maria Estela, Luma de Oliveira e Mylla Christie, entre outros.
Em 1992 Cassiano Gabus Mendes participou como ator, da novela “Perigosas Peruas”, de Carlos Lombardi, participação que ele confessaria mais tarde, ter detestado, não querendo repetir uma outra vez.
“O Mapa da Mina”, de 1993, seria a última novela de Cassiano Gabus Mendes, que voltava ao horário das 19 horas. Elisa (Carla Marins), uma noviça enclausurada, tinha na parte superior das suas nádegas, a tatuagem de um mapa de diamantes feita por seu vizinho Ivo (Paulo José), quando ela era criança. Ivo, um ladrão que é atropelado, revela o segredo do mapa antes de morrer. Inicia-se uma caça ao tesouro. A trama trazia um grande elenco, Luís Gustavo, Malu Mader, Eva Wilma, Fernanda Montenegro, Cássio Gabus Mendes, Bete Mendes, Nair Bello, Gianfrancesco Guarnieri, Mauro Mendonça, John Herbert, Beth Goulart, Antonio Abujamra, Denis Carvalho, Ana Rosa e Mila Moreira, entre outros; mas não conseguiu empolgar os telespectadores, sendo considerada a novela mais fraca de Cassiano Gabus Mendes na TV Globo. No dia 18 de agosto de 1993, algumas semanas antes da novela terminar, Cassiano Gabus Mendes sofreu um enfarto do miocárdio, deixando para sempre a sua magia voltada para a história da televisão brasileira. Ao morrer, ele tinha deixado todos os capítulos de “O Mapa da Mina” escritos. Após ir ao ar a última cena da novela, seu grande amigo Lima Duarte fez um discurso emocionado, despedindo-se do rei das novelas das 19 horas.

OBRAS

Seriados

1953/1964 – Alô, Doçura! – TV Tupi

Novelas

1966 – O Amor Tem Cara de Mulher – TV Tupi
1968/1969 – Beto Rockfeller (argumento) – TV Tupi
1976 – Anjo Mau – TV Globo
1977 – Locomotivas – TV Globo
1978 – Te Contei? – TV Globo
1979/1980 – Marron Glacé – TV Globo
1980/1981 – Plumas & Paetês (terminada por Silvio de Abreu) – TV Globo
1982 – Elas Por Elas – TV Globo
1983/1984 – Champagne – TV Globo
1985/1986 – Ti Ti Ti – TV Globo
1987 – Brega & Chique – TV Globo
1989 – Que Rei Sou Eu? – TV Globo
1990/1991 – Meu Bem, Meu Mal – TV Globo
1993 – O Mapa da Mina – TV Globo
1997 – Anjo Mau - Readaptação de Maria Adelaide Amaral – TV Globo

Alfredo Dias Gomes foi um dos maiores dramaturgos e novelistas do Brasil. Dono de uma obra com um contexto social de denúncia à injustiça, à corrupção e à perda dos valores, Dias Gomes soube como ninguém retratar os bastidores da política brasileira, a ditadura e a repressão do brasileiro diante das forças que se lhe impunha a sociedade e a história. Denunciava em suas obras o preconceito, a hipocrisia, o autoritarismo viciado dos donos do poder no Brasil.
Autor de telenovelas que marcaram para sempre a teledramaturgia brasileira, como “O Bem-Amado” e “Roque Santeiro”, e de personagens que se fizeram inesquecíveis no imaginário do público que os assistiu, como Odorico Paraguaçu e a viúva Porcina. É como tele-dramaturgo que será aqui analisado. As suas telenovelas que foram ao ar durante a década de 1970, constituíram o mais sincero elo da palavra e da arte calada pela censura da ditadura, e o público que ansiava pela denúncia e pela liberdade.
Da estréia sob o pseudônimo de Stela Calderón, em 1969, com “A Ponte dos Suspiros”, à última novela, “O Fim do Mundo”, em 1996, ambas na TV Globo, Dias Gomes deixou um acervo de personagens que construíram com humor e análise crítica, o perfil do brasileiro e de um Brasil corroído por tradições impostas ou cultivadas, sem perder a essência intelectual e emotiva, ou sem perder jamais a identidade de uma nação e da sua gente.

A Estréia Como Stela Calderón

Alfredo Dias Gomes nasceu em 19 de outubro de 1922, em Salvador, Bahia. Aos 12 anos de idade chegou ao Rio de Janeiro, onde passaria a maior parte da sua vida, mas sem jamais deixar a essência nordestina, que impregnaria a sua obra, tanto no teatro como na televisão. Será da Bahia que virá a imensa galeria dos personagens mais marcantes, como os habitantes das fictícias cidades de Sucupira, Bole-Bole (Saramandaia) e Asa Branca.
Militante histórico da esquerda e do Partido Comunista Brasileiro, Dias Gomes foi um dos autores mais perseguidos e dos mais censurados dentro do teatro e da televisão. Mesmo assim não se exilou, escrevendo textos corrosivos de denúncia durante todo o período da ditadura militar. Intelectual incorrigível, revelava nos textos que escrevia ser dono de um refinado humor mesclado com forte impacto dramático. Menosprezava a televisão, mas ironicamente, foi através dela que pôde traduzir tão bem a sua obra e levá-la para milhões de pessoas, adquirindo uma notoriedade e popularidade que jamais alcançaria no teatro.
Casado com a novelista Janete Clair durante 33 anos (ficaria viúvo em 1983), Dias Gomes e a mulher tornar-se-iam já em 1970, os novelistas que mudariam a linguagem da telenovela da emissora do jornalista Roberto Marinho, que seguia como linha principal os dramalhões de época sob o comando de Glória Magadan.
Dias Gomes chegaria à pequena tela no auge da repressão militar, após a promulgação do Ato Institucional nº 5 (AI-5), em 13 de dezembro de 1968. Sua estréia aconteceu em junho 1969, na Rede Globo, com a novela “A Ponte dos Suspiros”, inspirada no romance homônimo de Michel Zevaco. Temendo à repressão e à perseguição política, adotou neste trabalho o pseudônimo de Stela Calderón. A novela era um dramalhão que se passava em Veneza, tendo como protagonistas a famosa dupla de atores Carlos Alberto e Yoná Magalhães, na época casados na vida real. Dias Gomes escrevia sob a supervisão de Glória Magadan, quando ela foi demitida pela Globo, o autor mudou completamente a linha do texto, passando a abordar problemas políticos dentro da trama. A mudança de estilo narrativo fez a censura paulista obrigar o Canal 5 a transferir a novela para o horário das 22 horas. Nascia assim, um novo horário de telenovelas na Rede Globo, que só seria extinto em 1979.

O Realismo Urbano Chega à Televisão Brasileira

Ainda em 1969, com o fim da era Magadan, a Rede Globo renovou a linguagem das suas telenovelas, abolindo os dramalhões de época. Começou pelo horário nobre, com a novela “Véu de Noiva”, de Janete Clair. Em 1970 estendeu a linguagem do dia a dia e tramas contemporâneas brasileiras, para as novelas das 19 horas, com “Pigmalião 70”, de Vicente Sesso, e do novo horário recém-inaugurado das 22 horas, com “Verão Vermelho”, de Dias Gomes.
“Verão Vermelho” foi a primeira trama da televisão a ter como cenário a cidade de Salvador. Nesta novela o autor já assinou com o nome de Dias Gomes, jamais voltando a usar pseudônimos para fugir do regime militar. Drama urbano, a novela trazia pela primeira vez à telinha, as festas típicas das ruas da Bahia, a capoeira, o candomblé e ícones populares que até então, incomodavam as conservadoras famílias católicas que ergueram os seus rosários em 1964 para receber os militares e limpar o Brasil das religiões “pagãs” e dos comunistas. A novela trazia para o elenco de estrelas globais a atriz Dina Sfat. Pela primeira um desquite fazia parte da trama dos protagonistas, Carlos (Jardel Filho) e Adriana (Dina Sfat) separavam-se, e uma nova personagem construiria o triângulo, o médico Flávio (Paulo Goulart). Jardel Filho, que fora um dos protagonistas de “A Ponte dos Suspiros”, tornar-se-ia um dos atores preferidos do autor, fazendo ao longo dos anos, várias parcerias em novelas de sucesso. “Verão Vermelho” abordava os problemas de erros médicos, o racismo e a reforma agrária. Temas ousados para a época. Durante as gravações, Dina Sfat, que vinha das telas do cinema com o sucesso de “Macunaíma”, engravidou do então marido, Paulo José, o autor teve que improvisar a primeira gravidez inesperada de uma protagonista. “Verão Vermelho” deu o tom definitivo das tramas das 22 horas, que pelo horário adiantado da sua exibição, tinham mais fôlego do que as outras novelas diante da pressão da censura e da audiência, podendo ousar mais do que as outras.
Sem qualquer intervalo, Dias Gomes estreou a sua terceira novela consecutiva, “Assim na Terra Como no Céu”, em julho de 1970. Nesta trama o autor aproveitou quase todo o elenco de “Verão Vermelho”, como Dina Sfat e Jardel Filho. Com esta novela a Globo conseguiu contratar um dos maiores galãs da época, Francisco Cuoco, que se tornaria o maior protagonista da emissora na década de 1970. Também uma jovem atriz marcaria de forma indelével a sua estréia na Globo e nas novelas, Renata Sorrah. Dias Gomes usou um truque até então inédito, matar a protagonista da novela no vigésimo capítulo. A história girava em volta de Vítor (Francisco Cuoco), padre que se apaixona pela bela e doce Nívea (Renata Sorrah), por quem deixa a batina para com ela se casar. Nívea era assassinada às vésperas do casamento. A morte da personagem repercutiu em todo o Brasil, gerando a grande pergunta estampada nas capas das revistas da época: “Quem matou Nívea”. Com a morte da protagonista, Helô (Dina Sfat) passou a ser o centro da trama e o novo amor de Vítor. Mas o público não se conformou com a morte de Nívea, que teve que voltar várias vezes em flash-back. A novela trazia fortes contestações sociais, como o voto de castidade imposto aos padres pela igreja católica, o problema com as drogas (primeira vez que o tema chegou à televisão), além do homossexualismo velado do costureiro Gugu (Ary Fontoura), temática que só voltaria a ser abordada abertamente por Bráulio Pedroso em “O Rebu” (1974). Outra personagem que fez grande sucesso foi Ricardinho (Carlos Vereza), que matava o amante da mãe. Carlos Vereza e Renata Sorrah eram casados na época, e esta novela abria as portas da televisão para o jovem e talentoso casal.
Após três novelas consecutivas, Dias Gomes teve um breve período de férias, dividindo pela primeira vez, o horário das 22 horas com Bráulio Pedroso. Voltaria em novembro de 1971, com um novo sucesso, “Bandeira 2”. Desta vez o autor trazia o mundo da contravenção e dos bicheiros cariocas. O bicheiro Tucão, uma das mais soberbas criações de Dias Gomes, encantou o Brasil e os bicheiros do Rio de Janeiro, que se sentiram honrados com o retrato pintado na telinha. “Bandeira 2” teve vários incidentes de bastidores, transformando-se em uma das mais ricas produções a ter o que contar atrás das câmeras. Começou com o protagonista, que seria Sérgio Cardoso, o ator não gostou da personagem e exigiu mudanças. Diante da recusa de Dias Gomes, Sérgio Cardoso desistiu do papel, que foi entregue a Paulo Gracindo. Já com uma idade madura, Paulo Gracindo nunca havia protagonizado uma novela, na pele do bicheiro Tucão, o ator foi elevado ao estrelato. Com “Bandeira 2” iniciava-se uma grande parceria entre Dias Gomes e Paulo Gracindo, que resultaria em personagens inesquecíveis do grande público. Marília Pêra vivia a protagonista Noeli, uma motorista de táxi, profissão até então tabu para uma mulher. A atriz sentiu a personagem preterida diante da de Tucão, por este motivo pediu para sair da trama, mas não foi atendida, permanecendo até o fim. Aqui Dias Gomes usou o texto de uma de suas peças proibidas pela censura, “A Invasão”, traduzida nas personagens dos retirantes nordestinos Severino (Sebastião Vasconcelos), Santa (Ilva Niño) e Licinha (Anecy Rocha), que sem teto para morar, invadem a garagem do prédio de Noeli. O antagonista de Tucão, o bicheiro Jovelino Sabonete (Felipe Carone), foi outra personagem de grande sucesso na novela. O sucesso e a simpatia do público por Tucão incomodaram bastante os moralista do regime militar, ao fim da novela, a censura exigiu que Dias Gomes matasse a personagem, para dar exemplo moral ao público. Assim Tucão morria no último capítulo, causando grande comoção ao público.

O Bem Amado

Alternando mais uma vez, o horário das 22 horas com Bráulio Pedroso, Dias Gomes voltaria em janeiro de 1973 com aquela que seria uma das maiores obras da televisão brasileira, “O Bem-Amado”. A novela foi a transposição de uma peça teatral de Dias Gomes, “Odorico, o Bem Amado”, que esteve sete anos proibida, só sendo liberada em 1969. Pela primeira vez o autor deixava os cenários urbanos e criava a sua mítica Sucupira, cidade fictícia do interior baiano. Foi a primeira telenovela colorida da televisão brasileira, por este motivo enfrentou grandes problemas técnicos nos ajustes das cores, sendo marcante o figurino de cores berrantes que os atores usavam.
A história do prefeito Odorico Paraguaçu, que ao ver a dificuldade que era enterrar um morto devido à falta de cemitério em sua cidade, promete a construção de um como mote principal da sua campanha eleitoral. Eleito, Odorico realiza a sua grande obra, mas não consegue inaugurá-la pela falta de um morto. Ninguém morre em Sucupira. Frustrado e sem escrúpulos, o prefeito usa de todas as artimanhas para conseguir um defunto, inclusive promove a volta de um ilustre cangaceiro e assassino da cidade, o temido capitão Zeca Diabo (Lima Duarte). Mas o velho cangaceiro de fala fina volta redimido, querendo apenas ser digno de Deus, do padrinho padre Cícero e realizar um velho sonho, ser protético. Diante do impasse, Odorico incita o capitão a matar, usando de intrigas e subterfúgios. Ironicamente Zeca Diabo volta a matar, fazendo justiça à cidade, matando o próprio Odorico. Melancolicamente o prefeito inaugura a sua própria obra, sendo enterrado no tão amaldiçoado cemitério.
Paulo Gracindo não queria, a princípio, interpretar Odorico, por temer que viver duas personagens de caráter duvidoso consecutivamente pudesse comprometer a sua imagem. O ator sugeriu trocar a sua personagem com a de Jardel Filho, que vivia o doutor Juarez, um médico problemático e alcoólico, mas Dias Gomes bateu o pé, perguntando a Paulo Gracindo se ele conhecia algum prefeito louro e de olhos azuis no sertão baiano (Jardel Filho era um ator louro e de olhos azuis). Lima Duarte vinha de um grande fracasso em sua estréia na TV Globo. A novela antecessora de “O Bem Amado”, “O Bofe”, de Bráulio Pedroso, que ele fora convidado a dirigir, fora um fiasco. Para encerrar o contrato com a Globo, ele foi convidado, desta vez como ator, para fazer uma participação especial na novela, interpretando Zeca Diabo. Toda a caracterização da personagem foi feita pelo próprio Lima Duarte, que comprou um terno velho numa tinturaria próxima da Estação Rodoviária da Luz, em São Paulo, e decidiu que a personagem tão temida e sanguinária teria uma voz fina. Zeca Diabo, que deveria aparecer apenas em alguns capítulos, tornou-se um sucesso e foi crescendo gradualmente na trama, permanecendo até o fim.
Paralelamente à trama de Odorico, outras personagens circulavam com empatia e sucesso. Entre estas personagens estava o tímido e pacato Dirceu Borboleta (Emiliano Queiroz). Fiel funcionário de Odorico, gago e introvertido, Dirceu passa a vida a servir o prefeito e a caçar borboletas. Jurou castidade, mas foi obrigado a quebrar a promessa quando Dulcinéia Cajazeira (Dorinha Duval) é engravidada por Odorico, e para salvar a honra dela e do prefeito, aproveitam-se do sonambulismo de Dirceu, e inventam que ele possuiu a jovem, fazendo-o acreditar que é o pai do filho que ela espera. No final, quando descobre a mentira, o pacato e tranqüilo Dirceu estrangula a mulher. As irmãs Cajazeiras, Dulcinéia, Dorotéia (Ida Gomes) e Judicéia (Dirce Migliaccio) constituíram outro bem sucedido e mítico núcleo de personagens da novela. Refletiam a hipocrisia da sociedade, três mulheres solteironas, representantes de uma família tradicional, apresentavam-se para a cidade como exemplos de virtude e religiosidade a serem seguidos, mas que na intimidade, viviam todas as três uma sexualidade tórrida com um único homem, o bem amado Odorico Paraguaçu.
A bela Sandra Bréa, que se apaixonaria na trama pela personagem do galã Jardel Filho, fazia a sua primeira protagonista, sendo elevada à estrela da emissora, ela vivia Telma, a problemática e revoltada filha de Odorico Paraguaçu. A atriz vivia uma das cenas mais antológicas da novela, que define bem o universo de Dias Gomes; transitando entre a geração que contestava os costumes sociais e a liberação da sexualidade feminina, Telma era um grito dentro desta luta. Uma noite ela decide tomar banho nua, sua beleza estonteante é vista pelo pai Odorico, que se constrange diante do medo de um escândalo, e por humildes pescadores da região. Zelão das Asas (Milton Gonçalves), um pescador que um dia escapou da fúria do mar e prometeu a Iemanjá que faria um par de asas e voaria da torre da igreja. O pescador foi liberado pelo vigário (Rogério Fróes), de tão absurda promessa. Quando Zelão e os pescadores vêem a beleza nua de Telma, acreditam que estão diante de uma aparição de Iemanjá. Zelão tem a certeza que a senhora dos mares veio cobrar-lhe a promessa e, ali, diante da nudez de Telma-Iemanjá, ele renova a promessa que fizera em alto mar. Este paralelo irônico entre duas personagens e dois universos, é típico de Dias Gomes. Se o banho nu de Telma representava para ela a liberdade, a conquista do direito de ser dona do seu corpo e da sua sexualidade, para Zelão representava a fé, a crença popular, o místico e as sua manifestações. Zelão lutará até o fim da novela com o padre da cidade para cumprir a promessa. Não deixa de ser uma adaptação com outra cor e conotação sublime da peça do autor, “O Pagador de Promessas”. Dias Gomes não usa o enterro antológico do prefeito Odorico Paraguaçu para encerrar a trama, mas sim o cumprimento da promessa de Zelão das Asas. Na última cena da novela, o autor utiliza, pela primeira vez em suas tramas, o realismo fantástico. Num descuido da vigilância do padre e da mulher Chiquinha do Parto (Ruth de Souza), Zelão consegue chegar ao alto da torre da igreja e, diante de todos os curiosos, atira-se no ar. Dias Gomes avisa, em uma voz gravada em “off”, que a partir dali só acredita quem tem fé. A imagem torna-se preto e branco e Zelão voa sobre Sucupira. A novela encerra-se, entrando para sempre na história da televisão brasileira.

O Grande Golpe da Censura Sobre a Obra de Dias Gomes

Mais uma pausa para um breve fôlego, e Dias Gomes voltaria com uma nova novela, “O Espigão”, de 1974. O autor voltava aos grandes centros urbanos, desta vez para debater temas ainda não explorados nas novelas, como o crescimento desordenado das metrópoles, que derrubava prédios históricos e seculares para em seu lugar erguer os arranha-céus (os chamados “espigões” do título). Mostra a frieza que agasalha o homem, cada vez mais desumano diante do progresso sem limites da cidade. Pela primeira vez a ecologia entra como tema de uma telenovela, numa época em que obras faraônicas do regime militar (Transamazônica, ponte Rio Niterói) devastam o meio ambiente em nome do progresso, ocultando o lado autoritário e assassino da ditadura. A novela inicia com uma outra cena antológica, até então jamais vista, Dora (Débora Duarte), a protagonista, tem o seu filho em um engarrafamento de trânsito dentro do túnel Rebouças, no meio da confusão ela é socorrida por Leo (Cláudio Marzo), que formariam o casal sofrido da trama. Personagens bizarros percorrem a novela, dentre eles, Baltazar (Ary Fontoura), um homem reprimido, que às escondidas, corta mechas de cabelos das mulheres, guardando-as em sua coleção. Destaques para o casal Lauro Fontana (Milton Moraes) e Cordélia (Suely Franco), que centralizam as tramas e momentos hilários de humor.
Em 1975 Dias Gomes decidiu adaptar para a televisão uma de suas peças proibidas pelo regime militar, “O Berço do Herói”, censurada em 1965. A história trazia a saga do falso santo, Roque Santeiro e a sua fogosa viúva Porcina. A novela entraria nas comemorações dos dez anos da Rede Globo. Pela primeira vez Dias Gomes iria estrear em horário nobre. Adaptando a história para a literatura de cordel, a novela trazia o mais longo título da história da teledramaturgia brasileira: “A Saga de Roque Santeiro e a Incrível História da Viúva que Foi Sem Nunca Ter Sido”. Para protagonistas foram escolhidos Francisco Cuoco (Roque), Lima Duarte (Sinhozinho Malta) e Betty Faria (Porcina). Amplamente anunciada como a próxima trama do horário nobre, que entraria substituindo “Escalada”, a novela já tinha 10 capítulos editados e 30 gravados, quando foi proibida pela censura militar. Numa última esperança de liberar a trama, chegou a ser anunciada pela emissora uma mudança de horário, assim a novela “Gabriela”, grande sucesso da época, que ia ao ar às 22 horas, e já a entrar na sua fase final, passaria para o horário nobre e “Roque Santeiro” estrearia às 22 horas. Mas a censura voltou atrás na liberação e proibiu de vez a novela de ir ao ar, alegando que ela era ofensiva à moral e aos bons costumes, ofendendo à igreja e aos princípios católicos. Diante da catástrofe, Janete Clair criou personagens para 90% do elenco da novela censurada, aproveitando-o na mítica “Pecado Capital”. “Roque Santeiro” ficaria dez anos na gaveta até que uma nova versão, em 1985, fosse ao ar.

O Realismo Fantástico Chega à Telenovela

Depois da proibição de “Roque Santeiro”, Dias Gomes faria um intervalo considerado longo demais para a época, em que o autor emendava uma novela na outra. O longo período de ausência encerrar-se-ia em 1976, com “Saramandaia”, trazendo de volta um Dias Gomes ousado, que mudaria novamente a linguagem da telenovela, inaugurando de vez o realismo fantástico, que faria escola, e influenciaria na década seguinte, outros autores, como Agnaldo Silva.
A história da pacata cidade do interior da Bahia, Bole-Bole, e dos seus estranhos moradores chegou a ser comparada ao livro de Gabriel Garcia Márquez, “Cem Anos de Solidão”, mas Dias Gomes alegou que se inspirara no universo da literatura de cordel, e não gostava do termo “realismo fantástico”. Personagens estranhos e fascinantes atraíam o público, que além do vôo de Zelão das Asas em “O Bem Amado”, não tinha visto nada igual na televisão brasileira.
Na novela, Bole-Bole estava dividida entre os conservadores, que queriam manter o nome histórico da cidade, originário de uma aventura local de dom Pedro I; e os modernistas, que queriam mudar o nome da cidade para Saramandaia. Este nome fora revelado em sonho ao protagonista João Gibão (Juca de Oliveira), um homem inteligente, mas estranho em sua conduta. João Gibão trazia uma corcunda tapada por um gibão, daí a origem da alcunha. Na verdade João não era corcunda, o que ele escondia debaixo do gibão era um par de asas, que todos os dias era aparado pela mãe.
Diante de tão grande segredo, João foge à sedução e ao amor da bela Marcina (Sonia Braga), que literalmente arde de paixão, quando ela está excitada, a temperatura do corpo eleva-se de tal forma que incendeia os lençóis e queima todos que a tocam.
Para complicar a situação, o filho de Lua Viana (Antonio Fagundes em sua estréia na Globo), prefeito da cidade e irmão de João Gibão, e da bela Zélia (Yoná Magalhães), herda a anomalia do tio. A criança nasce com asas, mas morre logo a seguir, causando escândalo e espanto na cidade.
Entre as personagens esdrúxulas está o coronel Zico Rosado (Castro Gonzaga), homem conservador e cruel, que expele formigas pelo nariz. No final da novela ele morre soterrado na sua casa, que desaba após ter os alicerces corroídos e transformado em um grande ninho de bilhões de formigas.
Destaque para as cenas antológicas entre Risoleta (Dina Sfat) e o professor Aristóbulo (Ary Fontoura), homem estranho que não consegue dormir há décadas, perambulando à noite pela cidade, onde tem encontros com dom Pedro I e Tiradentes. Risoleta é fascinada pela fama do professor virar lobisomem, no fim da novela ela o seduz e consegue que se transforme em lobisomem na sua frente. É a primeira vez que a figura do lobisomem é explorada em uma novela. A temática voltaria em 1986, com “Roque Santeiro”.
Há ainda Cazuza (Rafael de Carvalho), pai de Marcina e marido de Maria Aparadeira (Eloísa Mafalda), que morre e ressuscita no início da novela, mas que todas às vezes que perde a calma, ameaça soltar o coração pela boca.
Uma das cenas mais antológicas da novela foi a da morte de dona Redonda (Wilza Carla), que de tanto comer explode em praça pública, tendo partes do corpo lançada em toda a cidade. No local da explosão foi formada uma grande cratera, onde surge uma flor gigante, que exala um cheiro terrível sobre a cidade.
O fim antológico da novela mostra um perseguido e injustiçado João Gibão, que para escapar de ser morto, já com as asas crescidas, voa rumo ao infinito. A última cena traz o vôo de João ao som da música “Pavão Mysteriozo”, de Ednardo, tema de abertura da novela , que se tornara um grande sucesso radiofônico da época.

O Fim do Horário das 22 Horas

Após o sucesso estrondoso de “Saramandaia”, Dias Gomes declara-se saturado das novelas. Diz querer escrever seriados e obras com menos capítulos. A Globo decide acabar com o horário de novelas das 22 horas, criando seriados nacionais para substitui-las. Como transição, apresenta “Sinal de Alerta”, de Dias Gomes, a última novela do horário, estreada em 1978. Naquele ano já a abertura política começava a ser desenhada e o AI-5 seria extinto, passando a não mais existir a partir do primeiro dia de 1979. A novela discutia amplamente a poluição das fábricas e a deterioração do meio ambiente. Trazia como protagonistas o empresário Tião Borges (Paulo Gracindo), dono da fábrica responsável pela poluição de um bairro; sua noiva, que poderia ser a sua filha, a bela e virginal Sulamita (Vera Fischer): a ex-mulher Talita (Yoná Magalhães) e o aventureiro e bom caráter Rudi (Jardel Filho). A novela não obteve uma boa audiência e foi a criação mais fraca de Dias Gomes na sua produtiva década de 1970. Nos últimos 30 capítulos, o autor teve a ajuda de Walter George Durst para escrever a novela. No meio da trama Vera Fischer engravidou, e como a sua personagem era uma virgem, filha de um rígido pastor evangélico, o autor teve que improvisar um estupro para a personagem, para que não fugisse do perfil psicológico quando a gravidez da atriz começasse a aparecer.
Com a inauguração dos seriados em 1979, Dias Gomes seria ao lado de Gianfrancesco Guarnieri e Walter George Durst, o criador e roteirista do seriado “Carga Pesada”, protagonizado por Antonio Fagundes e Stênio Garcia, acumulando a função da supervisão de texto.
Em 1980 deixa “Carga Pesada” e transforma “O Bem Amado” em seriado semanal. Para isto ressuscita Odorico Paraguaçu, morto no último capítulo da novela, em 1973, alegando que ele tivera uma catalepsia. Nesta nova fase de “O Bem Amado”, com o passar do tempo o prefeito Odorico torna-se uma sátira ao então governador de São Paulo, Paulo Maluf. O A seriado seria um grande sucesso e ficaria no ar até 1984.

Roque Santeiro

Em 1985 a ditadura militar tornou-se uma página virada da história brasileira. “Roque Santeiro”, censurada dez anos antes, pôde finalmente ir ao ar. À exceção de Lima Duarte e Luiz Armando Queiroz, que assumiram os mesmos personagens da versão de 1975, a novela veio à tona com um elenco totalmente renovado, tendo como protagonistas Regina Duarte (Viúva Porcina) e José Wilker (Roque). Agnaldo Silva pegou os 50 capítulos escritos por Dias Gomes e ampliou-os para o dobro. Sob a supervisão do autor, ele transformou a novela em um grande sucesso.
“Roque Santeiro” era uma crítica contumaz às cidades que viviam do comércio da religiosidade e da fé das pessoas. Asa Branca, cidade do interior da Bahia, tinha sofrido um ataque de Navalhada (Oswaldo Loureiro), para não pilhar a cidade e matar grande parte dos seus habitantes, o bandido exigiu uma grande quantia à população. O dinheiro foi entregue ao corajoso Roque, que serviria de negociador com Navalhada. Mas Roque teria sido morto, tornando-se um mártir. Mais tarde, tornar-se-ia milagreiro. Asa Branca cresce em torno do mito de Roque, que é tido como santo. Recebe romeiros de todos os cantos. Neste período, Porcina, amante do poderoso Sinhozinho Malta, chega a Asa Branca e para camuflar o caso entre os dois, é apresentada como a viúva de Roque, sem nunca ter sido. O tempo passa e um dia um homem misterioso volta à cidade. É Roque, que nunca fora mártir, e sim um vigarista que fugira com o dinheiro que deveria ter sido entregue a Navalhada. Rico e arrependido, Roque volta para rever a família e redimir-se diante da cidade. Na volta encontra-se com o mito, com o santo e mártir que se tornara, com uma vida que se lhe fora criada, inventando-lhe até mesmo uma viúva. Reconhecido pelos poderosos de Asa Branca, Roque é impedido de revelar a verdade, pois a revelação destruiria a cidade que vivia da mentira e dos falsos milagres de um santo vigarista.
Dias Gomes tem aqui um dos enredos mais fascinantes da sua teledramaturgia. Com o passar dos capítulos, o autor acusou Agnaldo Silva de dar às personagens um certo tom brega. Para finalizar a trama, tomou para si os últimos capítulos, afastando de vez Agnaldo Silva. Dos 209 capítulos da novela, Agnaldo Silva escreveu 111 deles. Pela primeira vez, o autor poderia debater temas polêmicos como a reforma agrária, os falsos milagres e a comercialização da fé, sem uma censura prévia a tentar calá-lo. O resultado foi uma das novelas mais bem sucedida da história da televisão brasileira.

Do Mito de Édipo ao Apocalipse do Mundo

Em 1987, Dias Gomes escreveu “Expresso Brasil”, uma mini novela com 40 capítulos, que tinha a duração de 5 minutos cada, indo ao ar de segunda a sábado, entre o Jornal Nacional e a novela do horário nobre. Na verdade a novela era uma ode ao universo das grandes personagens da televisão. Desfilavam dentro de uma locomotiva todos as grandes personagens do autor, além de algumas personagens de outros autores. “Expresso Brasil” era uma singela homenagem às personagens das telenovelas brasileiras. Dentro da locomotiva pudemos rever Tucão, Sinhozinho Malta e Odorico Paraguaçu, entre tantos.
Em 1987 Dias Gomes, em parceria com Marcílio Moraes, decidiu levar para a telenovela o mito grego de Édipo, adaptando para o Brasil do século XX a peça “Édipo Rei”, de Sófocles. A novela sofreu com a censura, que não queria aprovar a sinopse, considerando o tema impróprio para o horário das 21 horas. Após longas negociações com a Globo, a novela foi ao ar.
“Mandala” foi dividida em duas fases. A primeira trazia um Dias Gomes na sua essência e verve política, pela finalmente falando abertamente sobre os tristes anos da ditadura política. Nesta fase era contada a história da jovem Jocasta (Giulia Gam) e de Laio (Taumaturgo Ferreira), unidos pelo amor e separados pela maldição de que o filho do casal mataria o pai e casar-se-ia com a mãe. A primeira fase da novela foi um sucesso, marcada pelo forte conteúdo político. Na segunda fase da novela Jocasta (Vera Fischer), apaixonar-se-ia sem saber, pelo filho Édipo (Felipe Camargo), levado dos seus braços quando nascera. A novela sofreu pressão do público e da censura, que não queriam assistir ao beijo de mãe e filho. Diante de tantos obstáculos, Dias Gomes decepcionou-se com a trama, deixando-a no capítulo 35, que seria escrita por Marcílio Moraes e Lauro César Muniz. A novela chegou ao fim sem brilho e sem o carisma habitual de Dias Gomes.
Em 1988 Dias Gomes adaptou a sua famosa peça “O Pagador de Promessas”, para uma mini série, protagonizada por José Mayer. A fraca e contida interpretação do ator, e um texto com um discurso por demais dogmático, tiraram a essência dramática e beleza contestatória da peça. A mesma peça já tinha sido adaptada para o cinema, em um filme de Anselmo Duarte, de 1962, que contara com a extraordinária interpretação de Leonardo Villar, ganhando a Palma de Ouro em Cannes, naquele ano.
Em 1990 a TV Manchete alcançou um grande sucesso com a novela “Pantanal”, que começava pouco antes de terminar o capítulo da novela global “Rainha da Sucata”, roubando a tradicional audiência da emissora. Para fazer frente a este sucesso, Dias Gomes foi chamado para escrever uma trama que entraria em horário inédito, após o término da novela do horário nobre. Surgiu “Araponga”, escrita em parceria com Lauro César Muniz e Ferreira Gullar. A história de Araponga, codinome da personagem de Tarcísio Meira, um ex-agente informante da ditadura militar, apesar de ser contada de forma cômica, sucumbiu diante do sucesso de “Pantanal”, e praticamente passou despercebida.
A falta de carisma de “Araponga” deixaria Dias Gomes longe das novelas até 1995, quando pela primeira vez, trabalharia no horário das dezoito horas, trazendo de volta um grande sucesso da teledramaturgia brasileira, “Irmãos Coragem”, da sua falecida mulher Janete Clair. Inadequada para o horário, escrita a obedecer uma estruturação psicológica moldada sobre os esboços de Janete Clair, a novela perdeu o seu impacto dramático e carisma emotivo, faltando, principalmente, a espontaneidade intuitiva genial da autora.
A última novela escrita por Dias Gomes foi “O Fim do Mundo”, de 1996, que teve apenas 35 capítulos. A novela foi criada para ser uma mini série, mas entrou no horário nobre devido aos atrasos na produção da novela “O Rei do Gado”, de Benedito Ruy Barbosa. Trazia a divertida história de uma cidade do interior, que acreditou na promessa do vidente Joãozinho de Dagmar (Paulo Betti), que anunciava dia e hora para o fim do mundo. Acreditando na promessa do Apocalipse, todos passam a fazer o que bem entendem, sem a preocupação com as aparências e o futuro. Uma corrosiva crítica à sociedade, que diante da iminência de um fim, mergulha na sua hipocrisia de forma libertina e sem limites, sem pensar na redenção dos atos. Com “O Fim do Mundo”, Dias Gomes despedia-se das novelas sem o brilho de “O Bem Amado” e “Roque Santeiro”, mas senhor absoluto do seu universo de denúncia social.
Se na última década de vida, as telenovelas traziam uma certa saturação e decepção do autor, as mini séries que escreveu foram de uma qualidade excepcional, originando clássicos como “As Noivas de Copacabana” (1992), “Decadência” (1995) e “Dona Flor e Seus Dois Maridos” (1998). Dias Gomes morreu em São Paulo, num acidente de automóvel, acontecido em 18 de maio de 1999. Tinha 76 anos. Era na época, um imortal da Academia Brasileira de Letras. A sua morte deixou uma grande lacuna no teatro e na teledramaturgia do país. Suas personagens tornaram-se eternas e únicas. Quem não se lembra da eterna viúva Porcina? Quem que não se maravilhou com o universo único de Dias Gomes? O Brasil agradece o retrato criado pelas teclas deste grande baiano.

OBRAS

Peças de Teatro:

1937 – A Comédia dos Moralistas
1942 – Pé de Cabra
1942 – João Cambão
1943 – Amanhã Será Outro Dia
1943 – Doutor Ninguém
1943 – Zeca Diabo
1943 – Toque de Recolher
1944 – Dr. Ninguém
1949 – A Dança das Horas
1949 – É Amanhã
1954 – Os Cinco Fugitivos do Juízo Final
1960 – O Pagador de Promessas
1962 – A Invasão
1962 – A Revolução dos Beatos
1965 – O Berço do Herói
1966 – O Santo Inquérito
1968 – Dr. Getúlio, Sua Vida e Sua Obra
1969 – Odorico, o Bem Amado
1969 – Vamos Soltar Demônios
1979 – O Rei de Ramos
1979 – O Túnel
1979 – As Primícias
1980 – Campeões do Mundo
1983 – Vargas
1984 – Amor em Campo Minado
1989 – Meu Reino por um Cavalo

Novelas:

1969 – A Ponte dos Suspiros – TV Globo
1970 – Verão Vermelho – TV Globo
1970/1971 – Assim na Terra Como no Céu – TV Globo
1971/1972 – Bandeira 2 – TV Globo
1973 – O Bem Amado – TV Globo
1974 – O Espigão – TV Globo
1975 – A Saga de Roque Santeiro e a Incrível História da Viúva que Foi Sem Nunca Ter Sido (1ª versão censurada de Roque Santeiro) – TV Globo
1976 – Saramandaia – TV Globo
1978/1979 – Sinal de Alerta – TV Globo
1985/1986 – Roque Santeiro (co-autoria com Agnaldo Silva) – TV Globo
1987/1988 – Mandala (até o capítulo 35) – TV Globo
1990 – Araponga – TV Globo
1995 – Irmãos Coragem (supervisão de texto) – TV Globo
1996 – O Fim do Mundo – TV Globo

Casos Especiais:

1971 – O Crime do Silêncio – TV Globo
1971 - A Pérola – TV Globo
1974 – Gino – TV Globo
1988 – Boi Santo – TV Globo

Mini-Séries:

1987 – Expresso Brasil – TV Globo
1988 – O Pagador de Promessas – TV Globo
1992 – As Noivas de Copacabana – TV Globo
1995 – Decadência – TV Globo
1998 – Dona Flor e Seus Dois Maridos – TV Globo

Seriados:

1979 – Carga Pesada (supervisão de texto) – TV Globo
1980-1984 – O Bem Amado – TV Globo

O Brasil é um país plural, com uma população formada por várias raças e etnias. País construído por colonizadores europeus, nativos indígenas e negros africanos em sua essência. Se o índio faz parte de uma minoria de brasileiros, negros e brancos quase que empatam em número populacional. Apesar da paridade numérica, os abismos sociais entre negros e brancos continuam a ser uma grande ferida na integridade racial do Brasil.
A presença dos negros nas telenovelas brasileiras, o maior veículo de comunicação de público do país, apesar de ter avançado nos últimos anos, ainda é tímida e muitas vezes feita de uma forma negativa e presa ao estereótipo. Apesar de ser um país de grandes atores negros, que desfilaram ou desfilam pelas décadas da dramaturgia brasileira, como Grande Otelo, Ruth de Souza, Lázaro Ramos, Milton Gonçalves, Isaura Bruno, Taís Araújo, Chica Xavier, Neuza Borges, Jacira Silva, Zezé Motta, Cléa Simões, Zózimo Bulbul, Lea Garcia e tantos outros; os negros vêm sendo ignorados há décadas pelas telenovelas. Desde a primeira levada ao ar em 1963, este veículo tornou-se o condutor que moldou comportamentos, opiniões, criando ou derrubando preconceitos. A linguagem da telenovela reprimiu por muitos anos a imagem da verdadeira face do Brasil, fazendo dele um país de falsa identidade branca, negando a sua história e cultura. A televisão foi, e ainda o é (apesar de hoje em dia sofrer mais críticas e render-se às evidências da pluralidade) a maior propagandista e difusora dos conceitos do branqueamento da população brasileira, iniciada ainda no Brasil colônia.
Se hoje uma telenovela de horário nobre da poderosa TV Globo insere em suas tramas o amor entre raças, e o público, já moldado para aceitar a verdadeira identidade do país, aceita as personagens, nem sempre foi assim. Já houve tempo em que a rejeição ao amor entre um casal de cor branca e negra atingiu a total intolerância. A presença do negro na ficção da teledramaturgia era visível apenas em pequenas tramas paralelas às principais. De Mamãe Dolores (Isaura Bruno) a Xica da Silva (Taís Araújo), do Rodney de Zózimo Bulbul em “Vidas em Conflito” (1969) ao Foguinho de Lázaro Ramos em “Cobras & Lagartos” (2006), o espaço do negro nas telenovelas vem sendo conquistado com perseverança à discriminação. Um longo e árduo caminho foi percorrido pela constelação de grandes talentos negros, até que se deslumbrasse como protagonistas de algumas telenovelas.

O Branqueamento Histórico da População Brasileira

A presença negra na formação do Brasil veio através dos grupos étnicos africanos capturados em suas tribos e feitos escravos nas terras da colônia. Desde então negros, brancos e índios misturaram-se, construindo uma população miscigenada com maioria visível de negros. O impacto da presença negra na população do Brasil sempre foi motivo de preocupação entre os colonizadores, que temiam uma rebelião da raça contra a minoria branca. Em 1609, para aumentar a população branca do Brasil, o rei Filipe II de Portugal (III da Espanha), proibiu a fundação de conventos no Brasil, para que os brancos europeus que migravam à colônia não fossem somente padres e missionários sem compromissos com a procriação. O medo de uma rebelião negra aumentou drasticamente em 1804, quando os escravos nativos de Hispaniola, no mar do Caribe, tomaram a parte ocidental da ilha e declararam a independência do Haiti, abolindo a escravidão. Muitos receavam que se sucedesse o mesmo no Brasil, e antes que acontecesse, foi iniciado um branqueamento da população brasileira durante o primeiro e o segundo impérios. Esta medida culminou com o incentivo do governo em trazer para o Brasil o imigrante europeu. Derrubadas as últimas fronteiras de disputa com a Espanha, o sul do Brasil passou a ser colonizado por imigrantes europeus, fazendo parte do processo político de branqueamento da população brasileira. Este conceito ultrapassou o Brasil imperial, não se esvaiu com a abolição da escravatura, em 13 de maio de 1888.
No século XX, já com o poder da mídia como fonte de propaganda de uma nação, a partir dos anos sessenta, a televisão tornou-se o principal veículo desta propaganda. A telenovela é o produto de comunicação mais consumido pela população. Tornou-se tão poderosa, que dita a moda e os modismos, os conceitos sociais e políticos e a forma linear de difusão de pensamentos de uma nação.
Se a telenovela dominou o Brasil com a sua linguagem, estes domínios atravessaram as fronteiras, atingindo outros países. O sucesso das exportações das telenovelas para o exterior fez com que se pensasse nela como um cartão postal, trazendo um conceito de imagem da geografia humana do Brasil idealizado por uma falsa identidade. Tanto que se discute em Portugal, na Itália, Espanha, China, e outros países para onde a telenovela brasileira foi exportada e tornou-se grande sucesso de consumo, se no Brasil afinal não há negros. Sim, esta pergunta foi feita nos outros países, porque na telenovela brasileira a presença do negro era quase decorativa, quase exótica, como se raro fosse no cotidiano desta imensa nação.

O Negro nas Primeiras Telenovelas Brasileiras

Uma das primeiras telenovelas a ter muitos negros em seu elenco foi “A Gata”, novela de Ivani Ribeiro que estreou em 1964, na extinta TV Tupi. O tema da telenovela não era dos problemas do negro brasileiro, mas os dos escravos das Antilhas do início do século XIX . A trama girava em volta de uma senhora branca, Adriana (Marisa Woodward), chamada de Gata. O fracasso diante do público levou os patrocinadores a uma pesquisa para saber os motivos. Um deles era o excesso de escravos da trama. Para solucionar o problema, a autora fez com que uma epidemia na senzala matasse mais da metade dos escravos. Apesar de um grande número de atores negros, nenhum deles teve o nome creditado junto ao restante do elenco branco da telenovela.
Ainda em 1964, estreou na TV Tupi, “O Direito de Nascer”, primeira telenovela de grande sucesso no Brasil. O folhetim era uma adaptação de Talma de Oliveira e Teixeira Filho ao texto original do cubano Félix Caignet. A história da negra Dolores (Isaura Bruno) comoveu o Brasil. Empregada de uma abastarda e poderosa família, que ao ver Maria Helena (Nathália Timberg), a filha do patrão, engravidar e ter que, por imposição do preconceito por ser mãe solteira, abandonar o filho, tomou para os seus cuidados esta criança, criando-a como filho. Mamãe Dolores e o seu filho adotivo Albertinho Limonta (Hamilton Fernandes) levaram o Brasil às lágrimas. Isaura Bruno tornou-se a primeira atriz negra a fazer grande sucesso diante do público. Com ela inicia-se a imagem benevolente da mãe preta gorda, de colo amplo para acolher os filhos, que se encaixaria em outras atrizes negras, como Cléa Simões, que seria a Mamãe Dolores da versão de 1978 da novela; Zeny Pereira e Jacira Sampaio, a eterna Tia Anastácia do seriado “Sítio do Picapau Amarelo”. Mas o grande sucesso de Isaura Bruno foi logo esquecido devido à inexistência de papéis à altura do seu talento e carisma, sempre interpretando pequenos papéis subalternos até a sua morte.
Um momento raro da história do negro na televisão brasileira nos incipientes anos sessenta aconteceu na telenovela “A Cor da Pele”, de Walter George Durst, que estreou na TV Tupi em 1965. Apesar da sua obscuridade como registro, foi a primeira novela a propor falar sobre o preconceito racial. A história de amor entre a mulata de olhos verdes Clotilde (Yolanda Braga), e o português Dudu (Leonardo Villar), trouxe para a pequena tela o primeiro beijo inter-racial da sua história. Yolanda Braga foi a primeira protagonista negra de uma telenovela brasileira.
O ano de 1969 marcaria de formas diferentes, a história dos negros nas telenovelas. Três produções, duas na extinta TV Excelsior – “Vidas em Conflito” e “Os Estranhos” - e uma na TV Globo – “A Cabana do Pai Tomás” -, assinalam uma página bizarra na presença dos atores negros.
“Vidas em Conflito”, de Teixeira Filho, traz pela primeira vez à telenovela uma família de classe média negra. Zózimo Bulbul viveu o primeiro protagonista negro da televisão. A história seria válida não fosse construída sobre uma sinopse racista, Débora (Leila Diniz) apaixona-se por Walter (Paulo Goulart), homem que a sua mãe Cláudia (Nathália Timberg) ama, por vingança, ela começa a namorar o negro Rodney (Zózimo Bulbul). A idéia de vingança revela a agressão que era uma mulher branca namorar um negro, eliminando da trama o convite à reflexão contra o racismo, sem nunca deixar de evidenciá-lo.
“Os Estranhos”, de Ivani Ribeiro, aconteceu no momento histórico em que o homem pisava na lua, daí a imaginação da autora estar voltada para os extraterrestres. A novela era protagonizada por Regina Duarte, Rosamaria Murtinho, Cláudio Correa e Castro, seres que vinham do planeta Gama Y-12, e por Pelé. A presença inesperada do rei do futebol brasileiro, à época no auge da sua carreira , como protagonista de uma telenovela, não contribuiu em nada para a presença do ator negro no gênero. Na trama estava uma celebridade, não um ator. Pelé vivia Plínio Pompeu, escritor rico e dono de uma ilha, que se deparava com os extraterrestres. A personagem tinha pouco texto e em nenhum momento teve um envolvimento amoroso dentro da trama. Apesar de protagonista, tornou-se meramente decorativo. Caso o papel de Plínio tivesse sido entregue a um ator de verdade, a dimensão do crescimento e a importância na trama seriam diferentes.
“A Cabana do Pai Tomás”, escrita por Hedy Maia, Péricles Leal e Walter Negrão, é o caso mais bizarro e vergonhoso de racismo registrado em uma telenovela. Baseada no romance homônimo de Harriet Beecher Stowe, é a história do escravo Tomás, homem de bom coração, que passa por vários e cruéis senhores de engenhos durante a Guerra da Secessão nos Estados Unidos. Feita com esmero e dentro de um grande orçamento, a novela foi pensada para ser um grande sucesso épico, mas tornou-se um dos maiores fracassos e de um resultado grotesco. Para viver o protagonista negro Pai Tomás, a subsidiária norte-americana da Colgate-Palmolive no Brasil, que patrocinava as telenovelas da época, exigiu que o papel fosse vivido pelo ator branco Sérgio Cardoso. O absurdo obrigou Sérgio Cardoso a pintar o corpo com uma tinta negra, usar peruca e rolhas no nariz. A novela estreou sob os tumultos de aclamados protestos, um movimento liderado pelo jornalista e dramaturgo Plínio Marcos, em sua coluna diária no jornal “Última Hora”, achava que o personagem deveria ser interpretado pelo ator Milton Gonçalves. Tudo em vão. A novela foi um fiasco em seus 205 capítulos. Mesmo de cunho racista, “A Cabana do Pai Tomás” teve o maior elenco negro até então.

Subalternos e Escravos

Nos anos setenta a telenovela deixava os dramalhões de época, as histórias que dantes se passavam nas Antilhas, nos desertos árabes, no sul dos EUA, são transportadas para o cotidiano brasileiro, mostrando as praias cariocas, os subúrbios paulistanos. A telenovela torna-se uma espécie de retrato da urbanidade nacional, ou, em raras exceções, do ruralismo além do litoral. Nesta nova composição do gênero, o negro é esquecido. O ator Antonio Pitanga desabafaria mais tarde, que na época as personagens das tramas noveleiras sequer tinham um vizinho negro. O negro passava a figurar em tramas paralelas, a viver personagens subalternas. Zezé Motta conta que ao fazer um curso de interpretação, foi abordada por alguém que lhe questionou o porquê de tanto preparo se iria fazer só papel de empregada nas novelas. Diante dessa dura realidade, a atriz deixou de fazer telenovelas por muitos anos, recusando-se ser a eterna serviçal das tramas televisivas.
Na industrialização das telenovelas, os negros tiveram que gritar e protestar por papéis mais importantes, mas nem sempre o grito ecoava diante do preconceito. Temáticas de racismo eram retratadas timidamente, como em “Verão Vermelho”, novela de Dias Gomes, estreada na TV Globo em 1970. Na trama Geralda (Lúcia Alves), jovem de cor branca, esconde a mãe negra Clementina (Ruth de Souza). Em 1971 Janete Clair cria a personagem de Otto von Muller (Jardel Filho), um dos protagonistas de “O Homem Que Deve Morrer”, um vilão racista que é salvo da morte ao receber em transplante o coração de um negro. Zeny Pereira interpreta Conceição, mãe do negro que doou o coração a Otto. Para que ele não se esqueça, ela anda com o coração inutilizado dentro de um vidro, lembrando-lhe que o que bate em seu peito é o de um negro. Em “O Rebu” (1974), de Bráulio Pedroso, a desequilibrada Lupe (Tereza Rachel), mulher rica e frágil, tem no final da novela a proteção e o amor do negro Astorige (Haroldo de Oliveira). Milton Gonçalves que interpretaria um padre na versão proibida pela censura de “Roque Santeiro” (1975), pediu para Janete Clair uma personagem que pudesse usar gravata. Para presenteá-lo a autora criou o doutor Percival de “Pecado Capital” (1975), um psiquiatra negro formado em Havard. Quando “Roque Santeiro” foi levada ao ar em 1985, o padre negro embranqueceu, sendo interpretado por Paulo Gracindo.
Na segunda metade da década de setenta a Globo começa a adaptar vários clássicos da literatura brasileira. “Gabriela” (1975), novela de Walter George Durst extraída das páginas de Jorge Amado, teve várias pretendentes ao papel, entre elas duas atrizes negras, Zezé Motta e Vera Manhãs, esta última na época casada com o ator Antonio Pitanga, mãe dos atores Rocco e Camila Pitanga. A emissora preferiu escurecer a pele de Sonia Braga, transformando-a na mulata Gabriela. Outras adaptações da literatura geraram as personagens dos escravos. Durante muito tempo o negro viveu o escravo das novelas das 18 horas da TV Globo. Entre as novelas estavam “A Moreninha” (1975), “Escrava Isaura” (1976), “Sinhazinha Flô” (1977) e “Memórias de Amor” (1979).
“Escrava Isaura”, adaptação de Gilberto Braga da obra de Bernardo Guimarães, é sem dúvida um dos marcos do racismo velado, mas tenaz, que paira na cultura brasileira. Tanto o romance, como a novela, consegue ser o registro literário mais racista feito no Brasil. Nele o problema da escravidão não reflete a injustiça contra a raça negra, mas a uma infeliz mulher de pele branca que teve a pouca sorte de nascer escrava. Na novela Isaura (Lucélia Santos) é perseguida e maltratada por Leôncio (Rubens de Falco). Várias vezes ela era ameaçada de ser açoitada no tronco, quando isto acontecia, o público ficava arrepiado, indignado. Os açoites à Isaura não passavam de ameaças, enquanto que os escravos negros da novela eram açoitados e não havia a comoção do público, afinal a lógica dizia aos telespectadores que os negros eram naturalmente escravos, não havia injustiça ou injustiçados, mas Isaura era branca, uma verdadeira iniqüidade ela ser escrava.

Rejeição do Público aos Amores Entre Raças

Nos anos oitenta movimentos em defesa do negro começam a ganhar força e a exigir uma maior presença dentro da teledramaturgia. Afinal é a década do centenário da Abolição, é preciso que o negro saia da senzala e das cozinhas dos patrões brancos, que se torne vizinho do branco, colega de escola. É preciso acreditar que em 100 anos do fim da escravidão no país, o negro faça parte da identidade nacional, ou da identidade vendida pelas telenovelas no exterior e apresentada para o público no Brasil.
Janete Clair foi confrontada em um programa de rádio em 1980, do porquê de não ter atores negros em papéis que não fossem de subalternos em suas novelas, ou que tivessem uma maior importância. A autora respondeu que nunca havia parado para pensar no assunto, e prometeu criar melhores papéis para os negros. Realmente ela amplia um pouco esta participação em suas tramas, “Coração Alado” (1980) e “Sétimo Sentido” (1982) refletiram um pouco a promessa, com papéis mais destacados criados para Jacira Silva e Ruth de Souza.
Em 1984 Gilberto Braga decidiu ousar um pouco mais, abordando o preconceito racial em “Corpo a Corpo”, criando o amor inter-racial entre Cláudio (Marcos Paulo) e Sônia (Zezé Motta). O público rejeitou o romance. Marcos Paulo chegou a ser indagado se estava a precisar de dinheiro para aceitar a beijar uma negra. Também Zezé Motta foi hostilizada pelo preconceito do público. Curiosamente, os atores tinham vivido um romance na vida real anos antes.
“Sinhá Moça”, adaptação de Benedito Ruy Barbosa da obra homônima de Maria Dezonne Pacheco Fernandes, trazia um herói mascarado branco Rodolfo (Marcos Paulo na versão de 1986 e Danton Mello na de 2006), que libertava os negros do cativeiro, transportando-os para os quilombos. A Abolição era tratada como pano de fundo no romance de Maria Dezonne Pacheco Fernandes, mas que Benedito Ruy Barbosa deu ênfase, transformando a novela em um grande sucesso. Tony Tornado teve um bom momento na televisão como o Capitão do Mato. A segunda versão de “Sinhá Moça”, vinte anos depois da primeira, foi vista com outros olhos pelos movimentos negros do Brasil. Um inquérito civil foi instalado contra a novela, acusada de deturpar a história da escravidão no Brasil e de prejudicar a auto-estima da população negra. Um promotor do Ministério Público da Bahia acusou Benedito Ruy Barbosa de mostrar o negro como apático, passivo, que precisava de heróis brancos para libertá-lo.
“Roque Santeiro”, novela de Dias Gomes, censurada em 1975, foi finalmente ao ar em 1985, com co-autoria de Agnaldo Silva. Tony Tornado, viveu Rodésio, o fiel capataz da viúva Porcina (Regina Duarte), o ator revelaria mais tarde que foram gravados três finais diferentes para a telenovela, cada um deles dando destinos distintos à fogosa viúva, em um dos finais ela terminaria com Roque (José Wilker), em outro com Sinhozinho Malta (Lima Duarte) e em um terceiro, terminaria com Rodésio. A emissora divulgou apenas os dois primeiros finais, segundo Tony Tornado, por temer que a reação do público fosse negativa diante de um possível final de Porcina com um negro.
Várias obras de Jorge Amado foram adaptadas para as telenovelas, e todas às vezes que se sucederam as adaptações, o universo da Bahia negra de Jorge Amado quase que desapareceu. Além de “Gabriela”, quase não havia negros nas novelas “Terras do Sem Fim” (1981), “Tieta” (1989) e “Porto dos Milagres” (2001). Imperdoável o branqueamento dado pela Globo à Bahia de Jorge Amado.

Maior Integração e Participação nas Novelas Atuais

A década de noventa trouxe mudanças ao conceito da imagem do brasileiro retratada pela teledramaturgia. O negro passou a ter mais espaço, saindo da submissão ao homem branco para uma classe média mais próxima da realidade. Esta mudança pequena, mas significativa, passou a ser feita de forma irreversível e contínua, já não se podia negar a identidade negra no universo teledramático.
“A Próxima Vítima” (1995), de Silvio de Abreu, soprou os ventos da mudança na participação dos negros, que aqui teve um núcleo sólido, retratando uma família de classe média encabeçada por Fátima (Zezé Motta), o marido Cleber (Antonio Pitanga) e os filhos Sidney (Norton Nascimento), Jefferson (Lui Mendes) e Patrícia (Camila Pitanga). Desde então, os eternos papéis de subalternos destinados aos negros não foram extintos, mas deixaram de ser o único retrato apresentado de uma raça.
Em 1996 Walcyr Carrasco, sob o pseudônimo de Adamo Angel, levou para a televisão a personagem histórica de Xica da Silva. Dirigida por Walter Avancini e produzida pela extinta TV Manchete, “Xica da Silva” trazia Taís Araújo como protagonista, sendo um grande sucesso de público. A trama trazia vários personagens negros. Zezé Motta que vivera Xica da Silva no cinema, na telenovela fez o papel de mãe da personagem.
Nos últimos anos, a TV Globo, numa tentativa histórica de redimir-se da segregação negra em suas telenovelas, não por fazer uma autocrítica, mas por pressão das mudanças sociais dos tempos, criou em suas tramas várias personagens negras bem-sucedidas. Em 2004 lançou a sua primeira telenovela protagonizada por uma atriz negra, “Da Cor do Pecado”, de João Emanuel Carneiro, retratando o amor do milionário Paco (Reynaldo Gianecchini) pela romântica Preta (Taís Araújo). Além de “Da Cor do Pecado”, outras novelas globais trouxeram personagens negros bem-sucedidos, como “Mulheres Apaixonadas” (2003), “Celebridade” (2003), “Páginas da Vida” (2006). Em 2006 Lázaro Ramos conquistou o público brasileiro ao viver o Foguinho de “Cobras & Lagartos”, tornando-se protagonista absoluto da telenovela de João Emanuel Carneiro, fazendo cenas antológicas ao lado de Marília Pêra e Taís Araújo. Em 2007 o mesmo Lázaro Ramos viveu em “Duas Caras” o tórrido amor da sua personagem Evilásio pela rica Júlia (Débora Falabella). Ao contrário do que sucedera em “Corpo a Corpo”, de 1984, o romance inter-racial conquistou o público. Em 2008, Milton Gonçalves voltou às gravatas para interpretar o rico e corrupto político Romildo Rosa de “A Favorita”. Já não precisou pedir ao autor da novela para poder usá-las, como aconteceu na década de setenta.
Se hoje há uma maior visibilidade do negro na telenovela, as oscilações continuam conforme sopram os ventos. No começo da primeira década de 2000, um polêmico projeto de lei do então senador Paulo Paim, obrigava que as emissoras de televisão incluíssem 25% de negros nas telenovelas. Imposição que causou mal estar inclusive entre os atores afro-brasileiros. O racismo não desapareceu da telenovela, a participação dos negros tão pouco alcançou o patamar que reflita o seu real lugar na identidade do Brasil. Mas perto do que já foi, um longo caminho foi percorrido, alcançado grandes vitórias. Para isto as mudanças sociais tiveram que ser absorvidas por uma conservadora e preconceituosa sociedade. E a telenovela tem esta função de mudar preconceitos e moldar opiniões. Cabe aos autores, diretores e produtores do gênero assumirem este compromisso de querer mostrar a verdadeira face do brasileiro e do Brasil.

Há pouco mais de trinta anos estreava como autor de telenovelas, um dos maiores nomes da teledramaturgia brasileira, Manoel Carlos. Ator, adaptador de diversos teleteatros, diretor e escritor de programas humorísticos, variedades e musicais, Manoel Carlos tornou-se novelista aos 45 anos de idade. Começou com a novela “Maria Maria”, na TV Globo, em 1978. Aos poucos, construiu uma carreira sólida e respeitada tanto pela crítica, como pelos atores, diretores e, principalmente, pelo público.
Trazendo uma linguagem centrada no perfil psicológico das personagens, Manoel Carlos é tido como o dramaturgo da alma feminina. Suas mulheres são mais ricas e interessantes do que as suas personagens masculinas. É através das mulheres que o autor imprime a sua mensagem, o universo feminino surpreende diante das emoções. À mulher é permitida a expressão de todos os sentimentos. As telenovelas de Manoel Carlos giram em torno de uma Helena (nome que o autor batiza às suas personagens centrais) e das mulheres à sua volta. Os homens no universo das Helenas são meros coadjuvantes dos caprichos delas, dos seus sonhos, da sua evolução como mulher. Inconfundivelmente um mestre que desvenda a alma feminina, Manoel Carlos é o autor preferido das atrizes, fazer uma Helena é a ambição máxima de qualquer estrela de telenovelas. Conhecer um pouco do universo de Manoel Carlos é mergulhar em uma riqueza de conteúdo cada vez mais raro de ser encontrado nas novelas brasileiras.

A Estréia nas Novelas das 18 Horas

Manoel Carlos Gonçalves de Almeida, nascido em São Paulo, em 1933, passou a maior parte da vida dedicando-se à televisão. Dirigiu, escreveu e produziu programas que fazem parte da história da televisão brasileira, como “Fantástico”, “O Fino da Bossa” e “A Família Trapo”, só para citar alguns exemplos.
Sua carreira como autor de telenovelas começou quando adaptou, em 1978, o romance “Maria Dusá”, de Lindolfo Rocha, escritor que desde o princípio do século estava em completo ostracismo. A partir da obra de Lindolfo Rocha surgiu “Maria Maria”, novela das 18 horas, protagonizada por Nívea Maria e Cláudio Cavalcanti. Ao contrário da teledramaturgia urbana que se tornaria uma característica das novelas de Manoel Carlos, “Maria Maria” era uma novela rural, centrada no sertão e no garimpo brasileiros. Nívea Maria, numa das melhores composições da sua carreira, fazia as gêmeas Maria Alves e Maria Dusá, separadas quando crianças, vendidas pelo pai por um saco de grãos durante a seca que matou de fome muitos nordestinos, em 1860. A novela tornou-se um sucesso, assumindo dimensões e diálogos que faziam lembrar o filme “... E o Vento Levou”. As palavras finais de Maria Dusá eram uma adaptação da personagem de Scarlet O’Hara. Na trilha sonora da novela foi incluída “Romaria”, na voz do seu autor, Renato Teixeira, que serviu para criar belas cenas e consolidar a canção no imaginário da MPB.
Com o sucesso de “Maria Maria”, no ar até junho de 1978, Manoel Carlos teve uma folga de pouco mais de três meses, e a sua segunda novela, “A Sucessora”, estreou em outubro daquele ano. Na época, o horário das novelas das 18 horas na TV Globo era dedicado às adaptações de obras da literatura brasileira. “A Sucessora” não fugia à regra, baseava-se no romance homônimo de Carolina Nabuco. A curiosidade a respeito deste romance, é que ele teria sido plagiado pela escritora britânica Daphné Du Maurier, dando origem ao romance “Rebecca”, que por sua vez foi adaptado para o cinema por Alfred Hitchcock, em 1940: “Rebecca, a Mulher Inesquecível”. Apesar de conservar os nomes das personagens do livro de Carolina Nabuco, a adaptação da novela é toda feita em cima do romance “Rebecca” e do filme de Hitchcock. O resultado foi uma das melhores novelas do horário das 18 horas da TV Globo. A história de Marina Steen (Suzana Vieira) e a sua luta psicológica para conquistar o marido Roberto Steen (Rubens de Falco), apagando a memória da mulher morta, empolgou o Brasil. “A Sucessora” consolidava o estilo de Manoel Carlos. Marina Steen lutava com uma morta, Alice Steen, personagem que só aparecia na novela através de um imenso quadro na parede. Quanto mais a sucessora da mulher do quadro parecia absurda, mais ela era verdadeira e a única a desafiar o absurdo. Suzana Vieira cita a personagem desta novela como uma das melhores que ela já fez. “A Sucessora” transformou Paulo Figueiredo, que conquistou o Brasil vivendo o carrancudo Miguel, em galã da Globo. Ao viver a governanta Juliana, Nathália Timberg despertou ódio e comoção. Era uma vilã com características humanas, típica da obra de Manoel Carlos. Suspense romântico e psicológico, digno dos filmes de Hitchcock, “A Sucessora” foi uma das mais bem-sucedidas novelas da história da teledramaturgia brasileira.

O Salto Para o Horário Nobre

Depois do sucesso de “A Sucessora”, Manoel Carlos só voltaria a escrever novelas em 1980, quando foi convidado por Gilberto Braga para ajudá-lo a terminar a novela “Água Viva”. Antes Manoel Carlos fez parte da equipe de criação do seriado “Malu Mulher”, para o qual escreveu alguns episódios, acontecendo o primeiro encontro do autor com a atriz que mais interpretaria as suas Helenas, Regina Duarte.
Em 1981 a Rede Globo, que teve Janete Clair no ar no horário nobre por dez anos consecutivos, começava a dar maior fôlego à autora, buscando novos autores para o horário mais importante da emissora. Manoel Carlos estreava uma história totalmente sua em horário nobre: “Baila Comigo”. O nome da novela foi um jogo de marketing da emissora e da sua gravadora Som Livre, para promover o disco de Rita Lee. Recorrendo ao folhetim tradicional, novamente a história dos gêmeos separados ao nascer, desta vez João Victor e Quinzinho (Tony Ramos), filhos gêmeos de Helena (Lílian Lemmertz) e de uma aventura com o seu patrão Quim (Raul Cortez), casado com Marta (Tereza Raquel), que não podia ter filhos. Quim fica com João Victor, criando-o com a mulher, e Quinzinho com Helena, que se casa com Plínio (Fernando Torres). Ao contrário do que se propunha, a história fugia do melodrama, trazendo personagens ricos e de forte presença psicológica. “Baila Comigo” trazia a primeira Helena de Manoel Carlos, trabalho primoroso da saudosa Lílian Lemmertz, que concorreu com esta personagem, a todos os prêmios daquele ano, alcançando na sua estréia na Globo, o apogeu de popularidade da sua carreira. A personagem Helena era para ser vivida pela atriz Fernanda Montenegro, há muitos anos afastada da televisão, mas a produção decidiu escalar Lílian Lemmertz para viver o papel. Diante do imprevisto, Manoel Carlos criou outra personagem para Fernanda Montenegro viver, o da atriz Silvia. Três cenas antológicas de “Baila Comigo” entraram para a história das telenovelas: a de Helena e Plínio, já velhos, indo ao motel, descobrindo as faces do sexo na maturidade; a cena do corno magnífico Mauro (Otávio Augusto), que cansado das traições da mulher Paula (Suzana Vieira), num gesto de vingança suicida, atira um monomotor sobre amante da mulher Caio (Carlos Zara). A cena foi feita ao som da voz de Cauby Peixoto cantando “Loucura”, que se tornaria um grande sucesso nas rádios. E por fim, a cena do encontro dos gêmeos, que valeu a Tony Ramos todos os elogios e reconhecimentos da crítica e do público. “Baila Comigo” foi o maior sucesso da televisão em 1981. Historicamente marcou pelo surgimento da primeira Helena de Manoel Carlos. Pelo encontro do autor com Tony Ramos, que se tornaria por muitos anos, o ator predileto dele. Primeira aparição em novelas do autor da atriz Beatriz Lyra, que se tornaria uma presença obrigatória em quase todas as suas obras; além da atriz Natália do Valle, que passaria a ser uma presença constante na obra de Manoel Carlos.
Após o grande sucesso de “Baila Comigo”, Manoel Carlos escreveria outra história para o horário nobre, “Sol de Verão”, que estreou no final de 1982, obtendo de imediato, um grande sucesso. Desta vez o protagonista de Manoel Carlos não é o galã perfeito das telenovelas, mas um surdo-mudo, Abel (Tony Ramos). A personagem central é Rachel, que marcaria a estréia de Irene Ravache na TV Globo. Rachel quebra os tabus e preconceitos criados em torno do mito da mulher e, de maneira livre e consciente, arrisca a ser feliz. Mulher de classe média alta, ela deixa o marido Virgílio (Cecil Thiré) e o suposto casamento perfeito. Na procura de um sentido para si mesma, ela se envolve com o rude mecânico Heitor (Jardel Filho). O romance de Heitor e Rachel agrada o grande público. Também o de Abel e Clara, aqui uma adolescente Débora Bloch vivendo a sua primeira protagonista. O sucesso imenso da novela foi interrompido por uma tragédia: a morte do ator Jardel Filho, em 19 de fevereiro de 1983. O ator sofreu um ataque cardíaco fulminante, nas gravações dos capítulos que precederam à sua morte, ele se queixava de imensa fadiga, transpirava muito, o que dificultava a maquiagem para esconder esta transpiração. Revoltado e abalado, Manoel Carlos abandonou a novela, dizendo-se impossibilitado de terminá-la. Esta atitude provocou duras críticas, inclusive de Janete Clair, que o acusou de falta de profissionalismo. Com o afastamento de Manoel Carlos e a morte de um dos protagonistas da história, a Globo optou por sumir com a personagem, encurtando a novela. Mais 17 capítulos seriam escritos por Lauro César Muniz, com a colaboração de Gianfrancesco Guarnieri e Paulo Figueiredo, atores que participavam da trama. O que começara com um grande sucesso, terminara em um fracasso trágico, o público desistiu de “Sol de Verão”. A Globo desistiu de Manoel Carlos, que deixou a emissora, só a ela retornando nos anos 90.

Seriados e Séries na Década de 80

Longe do horário nobre, Manoel Carlos escreveu episódios do seriado “Joana”, uma produção independente do diretor Guga de Oliveira, protagonizada por Regina Duarte. O seriado era quase que um remake de “Malu Mulher”. A primeira temporada foi vendida em 1984, para a TV Manchete, e a segunda para o SBT, em 1985. No seriado o ator que interpretava o ex-marido de Joana era Umberto Magnani. Este ator é ícone na obra de Manoel Carlos, que declararia anos depois, que não escreve uma história sem ter uma personagem para o ator viver.
Ainda em 1984, Manoel Carlos escreveria para a Manchete a minissérie “Viver a Vida”, com inspiração no livro de Theodore Dreiser, “Uma Tragédia Americana”. A história obteve uma boa audiência na emissora. Trazia como protagonistas Paulo Castelli, Louise Cardoso e Claudia Magno.
Manoel Carlos voltaria a escrever novela em 1986, “Novo Amor”, desta vez para a TV Manchete. A novela teve apenas 59 capítulos, tendo como protagonista a atriz Renée de Vielmond, ladeada por Carlos Alberto, Nuno Leal Maia, Nathália Timberg, Esther Góes, Beatriz Lyra, entre outros.
Após um afastamento de três anos, Manoel Carlos escreveria uma minissérie para a TV Bandeirantes, “O Cometa”, em 1989, uma adaptação do romance “Ídolo de Cedro”, de Dirceu Borges. Aqui Manoel Carlos contou com a colaboração do filho Ricardo de Almeida, que viria a falecer anos mais tarde.

A Volta das Helenas

Quase uma década se passou, quando Manoel Carlos voltou a escrever uma telenovela para a TV Globo. Em 1991, baseado em tramas e histórias de Aníbal Machado, escreveu “Felicidade”. Voltava à emissora carioca no horário que começara em 1978, às 18 horas. Nascia a sua segunda Helena, desde então o nome foi dado a todas as suas protagonistas. Vivida por Maitê Proença, Helena é uma mulher bela, que atrai o interesse e o amor dos homens que a ladeiam, mas o seu amor por Álvaro (Tony Ramos), com quem teve uma filha no passado, continua velado, platônico, fazendo com que ela menospreze todos os pretendentes e centralize a sua vida no amor à filha Bia (Tatyane Goulart). A novela trouxe de volta o universo psicológico de Manoel Carlos, mais maduro, mais seguro. Revelou para o país a atriz Vivianne Pasmanter, que estreava na pele da neurótica Débora. Umberto Magnani e Ariclê Perez comoveram o país como os pais de Helena, desde então, Magnani nunca mais saiu de uma trama do autor.
Em 1995 Manoel Carlos criaria um delicioso folhetim, “História de Amor”. Produção delicada, marcava a estréia de Regina Duarte como protagonista de uma novela das 18 horas, e como uma Helena de Manoel Carlos. Na sinopse original Helena disputaria o amor de Carlos (José Mayer) com a filha Joice (Carla Marins), mas devido à leveza do horário de exibição da história, o autor modificou a história. A novela abordava com profundidade e extrema delicadeza a gravidez na adolescência; o câncer de mama, momento antológico vivido por Marta (Bia Nunes); a deficiência física do malgrado atleta Assunção (Nuno Leal Maia). “História de Amor” marcou a última participação em novelas da atriz Yara Cortes, que viveu a carismática Dona Olga, uma senhora de 90 anos, uma personagem sob medida para esta atriz inesquecível. Destaque ainda para os trabalhos de Eva Wilma e Cláudio Corrêa e Castro, que viveram um casal falido que emocionou o Brasil. “História de Amor” trouxe para o universo de Manoel Carlos o ator José Mayer, que se tornaria uma constante em sua obra.
Em 1997 Manoel Carlos voltaria ao horário nobre com a novela “Por Amor”. Desta vez Helena (Regina Duarte) representa o sacrifício máximo que uma mãe faz em prol da filha Eduarda (Gabriela Duarte). Mãe e filha engravidam ao mesmo tempo, dando à luz no mesmo dia. Eduarda tem uma saúde frágil e não poderá mais ser mãe, para piorar as coisas, o filho dela morre horas depois de ter nascido. Para poupar a filha de tão duro sofrimento, Helena troca, às escondidas, as crianças, tomando para si o filho morto, entregando o seu para a filha criar. A novela tocou em várias feridas de temas considerados tabus, como o alcoolismo de Orestes, criação magistral de Paulo José, seu relacionamento com a filha Sandrinha (Cecília Dassi) lembravam um Chaplin vagabundo e carismático. Homossexualismo, preconceito racial, aborto, vários foram os temas polêmicos traçados. A novela teve cenas de sensualidade e torpor com o casal Nando (Eduardo Moscovis) e Milena (Carolina Ferraz) de grande beleza e impacto, que valeu aos atores passaporte para protagonizarem o remake de “Pecado Capital”. O grande destaque foi para a personagem vilã Branca, uma das melhores criações da atriz Suzana Vieira.
Em 2000 “Laços de Família” trazia a quinta Helena de Manoel Carlos, desta vez vivida pela belíssima Vera Fischer. A personagem serviu para reabilitar de forma decisiva, a imagem da atriz, bastante atingida nos anos 90 pela droga e pelo fiasco do fim do seu casamento com o ator Felipe Camargo. O tema da disputa entre mãe e filha pelo amor do mesmo homem é finalmente explorado pelo autor. Camila (Carolina Dieckmann) apaixona-se pelo namorado da mãe, Edu (Reynaldo Gianecchini). Diante do amor da filha, Helena abre mão do namorado. “Laços de Família” registrou mais uma cena que se tornou antológica, Camila, lutando contra uma leucemia, tem o cabelo raspado, a cena comoveu o Brasil, subindo aos picos a audiência da novela. Tony Ramos criou um sofrido e sensível Miguel, ganhando alguns prêmios por esta interpretação. Destaque para a prostituta Capitu, vivida por Giovanna Antonelli. Primeiro trabalho como ator do então modelo Reynaldo Gianecchini. “Laços de Família” abordou com seriedade e delicadeza o tema da impotência masculina, através da personagem Viriato (Zé Victor Castiel). “Laços de Família” marcou a estréia da atriz Juliana Paes, trouxe de volta o ator Flávio Silvino, que sofreu um acidente no início da década de 90, que lhe afetou para sempre a fala e os movimentos, vivendo uma personagem que passou pelo mesmo drama.
“Mulheres Apaixonadas”, de 2003, trouxe Christiane Torloni no papel de Helena. A atriz estava escalada para fazer a novela de Antonio Calmon, “O Beijo do Vampiro”, diante do convite de Manoel Carlos, foi liberada, sendo substituída por Claudia Raia. Christiane Torloni tinha interpretado a filha da primeira Helena (Lílian Lemmertz), em 1981. De todas as Helenas criadas até então, esta foi a menos marcante. Uma das características das Helenas de Manoel Carlos sempre foi a maternidade e os sacrifícios que elas faziam em prol dos filhos. Faltou isto à Helena de “Mulheres Apaixonadas”, o que a tornou uma personagem sem objetivos e sem o carisma das anteriores. Pela primeira vez as tramas paralelas foram tão ou mais importantes do que a trama da Helena. Grande destaque para a personagem Heloísa (Giulia Gamm), que mostrou a psicologia de mulheres que não sabem amar, dilaceradas pelo ciúme doentio. Também o drama de Rachel (Helena Ranaldi) e do seu marido Marcos (Dan Stulbach), um homem violento, deixou o telespectador sem fôlego. Nunca a violência contra a mulher foi tão visceralmente retratada como aqui. A cena que Marcos bate em Rachel com uma raquete de tênis foi de grande impacto dramático e visual. Outro drama que causou polêmica foi a dos avós que eram maltratados pela neta. Carmen Silva, então com 84 anos, e Oswaldo Louzada, com 90 anos (ambos falecidos em 2008), emocionaram o país, e a atriz Regiane Alves, intérprete da neta, tornou-se a vilã mais odiada da novela. A novela mesclou ficção e realidade, a personagem Fernanda (Vanessa Gerbelli) morria nas ruas do Rio de Janeiro vítima de bala perdida. Aproveitando o drama da personagem, a novela registrou a passeata “Brasil Sem Armas”, feita nas ruas da cidade maravilhosa em um domingo de setembro.
Em 2006 Regina Duarte viveria a sua terceira Helena, em “Páginas da Vida”. Foi a novela em que Manoel Carlos mais tratou de temas específicos, como homossexualismo, Aids, síndrome de Down, traição, sexo, enfim, foram tanto os temas, que a trama passou superficialmente por todos eles. O excesso de personagens prejudicou a evolução psicológica delas, dando a sensação de que a novela ainda não tinha começado, quando já estava no seu final. A própria Helena, que começou a novela em uma cena clássica de Manoel Carlos, traída pelo marido Greg (José Mayer), separava-se após uma grande discussão dramática, que prometia um grande papel, tornou-se decorativa, assim como a maioria das personagens que muito prometiam, como Carmem (Natália do Valle), Olívia (Ana Paula Arósio) ou Tereza (Renata Sorrah). Frustrante foi a tão aguardada volta de Sonia Braga às novelas. Sua personagem Tônia não aconteceu. Estava destinado um caso de amor entre Tônia e o patriarca Tide, personagem de Tarcísio Meira, mas uma virose deixou o ator sem voz, longe da novela por dois meses. O romance de Tônia e Tide só aconteceu na última semana de exibição da novela. Diante de tantas tramas mornas, o grande destaque da novela ficou para o folhetim tradicional, a menina pobre Telma (Grazielli Massafera) que conquista o coração do rapaz rico Jorge (Thiago Lacerda). Destaque também para Marina (Marjorie Estiano) e seu drama com o pai alcoólico (Eduardo Lago). Mas a novela foi de Nanda (Fernanda Vasconcelos) que morre na primeira fase e permanece como fantasma no resto da trama, e da sua mãe Marta (Lília Cabral), a grande e excepcional vilã da novela. “Páginas da Vida” perdeu-se nas propostas das personagens, pecou pelo excesso de tramas, tornando-se uma das novelas menos marcante de Manoel Carlos.
A dramaturgia de Manoel Carlos é voltada para a família, retratada nos bairros da zona sul do Rio de Janeiro, evidencia os seus problemas, a renovação constante dos seus valores, os tabus permanentes criados pela evolução social do ser humano, sempre centrados na figura da mulher. As tramas acontecem no cotidiano, à mesa, no café da manhã, na cozinha da casa, nos quartos, na conversa dos criados. A ação não está concentrada nos atos, mas nas palavras. Fazer uma Helena de Manoel Carlos é a realização máxima de uma atriz, que proporciona sempre grandes momentos vividos nas pequenas telas da televisão brasileira.

OBRAS

Telenovelas:

1978 – Maria Maria –TV Globo
1978/1979 – A Sucessora – TV Globo
1980 – Água Viva (colaborador de Gilberto Braga) – TV Globo
1981 – Baila Comigo – TV Globo
1982/1983 – Sol de Verão – TV Globo
1986 – Novo Amor – TV Manchete
1991/1992 – Felicidade – TV Globo
1995/1996 – História de Amor – TV Globo
1997/1998 – Por Amor – TV Globo
2000/2001 – Laços de Família – TV Globo
2003 – Mulheres Apaixonadas – TV Globo
2006/2007 – Páginas da Vida – TV Globo

Seriados:

1979/1980 – Malu Mulher (co-autor) – TV Globo
1984/1985 – Joana (co-autor) – TV Manchete, SBT

Mini-Séries:

1984 – Viver a Vida – TV Manchete
1989 – O Cometa – TV Bandeirantes
2001 – Presença de Anita – TV Globo
2009 – Maysa – TV Globo